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Gracias al maestro Martin Sassone..¡¡¡¡

Debido a que hay pocas leyendas vivas ( dedos de la mano ..¡¡) que merezcan aparecer en BLUESENCASTELLANO , si consideramos un deber y obligacion dejar constancia a través de las palabras de Martín de lo que significa esta visita en la cuna del bluesencastellano….que vuelva muchas veces..¡¡¡¡.

Cronica del concierto de Buddy Guy en Argentina por: http://malbecblues.blogspot.com.ar/2012/05/el-ilusionista.html

El ilusionista
Buddy Guy está repleto de trucos. Toca con la guitarra arriba de su cabeza o por detrás de la espalda. Se la pasa por debajo de una pierna mientras arremete con un solo o la sostiene con una mano mirando al público con gesto cómplice. Golpea las cuerdas con una baqueta o con un pañuelo. Hace un punteo con los dientes o busca un efecto de acople junto al parlante. Gesticula mientras pasa de un tono agudo a uno más grave sin desafinar. Deja el escenario, camina entre el público y sube a la segunda bandeja del teatro. Quiere salir a la calle, aunque no lo logra porque lo frenan los de seguridad. Imita a John Lee Hooker, Jimi Hendrix o Albert King con una naturalidad asombrosa. Buddy Guy es mucho más que una leyenda viva y un gran entertainer, es un verdadero ilusionista.

Anoche, en su tercera visita a Buenos Aires, hizo estallar el Teatro Gran Rex con un show impresionante en el que combinó virtuosismo, talento, historia y mucha onda. Durante dos horas le sacó chispas a su guitarra e hizo delirar al público con un truco detrás de otro. La banda subió al escenario poco después de las 21.30. Los músicos se quedaron inmóviles durante unos segundos, hasta que el tecladista Marty Sammon presentó al hombre que todos estaban esperando. Buddy Guy comenzó con Nobody understands me but my guitar, tal vez el único tema que hizo completo, porque lo que siguió fue como una especie de gran medley en el que fu intercalando canciones que le iban surgiendo en el momento.

“Hello Argentina, I love you”, fueron sus palabras de presentación al término de la primera canción. Raspó las cuerdas de su Fender Stratocaster color crema contra su camisa y soltó los primeros acordes de Hoochie coochie man, que se extendió durante varios minutos, dio pie a un duelo entre él y su guitarrista Ric Hall y luego mutó a She’s nineteen years old. Después siguió con Someone else is steppin’ in, con el que logró que la gente cantara con ganas el estribillo. Luego, Sammon tocó las primeras notas de Fever, Buddy arremetió con su guitarra y unos minutos después la transformó en Miss you, de los Rolling Stones. Alguien desde la platea gritó “!Play the blues!” y él contestó con 74 years young, de su disco Living Proof, a la que reconvirtió en 75 years young. Imitó a John Lee Hooker haciendo Boom boom, dedicó a Muddy Waters una versión muy diferente de Got my mojo workin’ y saludó al Eric Clapton de Cream con Strange brew.

Anunció que haría su interpretación de Albert King mientras bajaba del escenario por un costado. Empezó a caminar por el pasillo. La banda seguía tocando y él sacaba algunos punteos entrecortados. Recorrió el teatro, subió al súper pulman y se asomó. Allí estaba, entre la gente que lo tocaba y le sacaba fotos. El orden que había hasta ese momento se volvió un caos. Buddy regresó a su lugar para una breve versión de Rock me baby que enganchó con los acordes inconfundibles de Damn right I’ve got the blues. Intentó bajar un poco los decibeles con Skin deep pero no pudo. El delirio era tan intenso que Buddy no tuvo más alternativa que llevarlo más allá. “Me olvidé de un guitarrista”, dijo antes de lanzarse con Voodoo child, de Hendrix. La lista de tributos la completó con Ray Charles, Marvin Gaye y, a pedido de un plateista, hizo Sweet sixteen, de B.B. King.

El show no tuvo una estructura convencional y tal vez por eso ni siquiera hubo bises. Cerró con un cover instrumental de Sunshine of your love. Tim Austin se lanzó con un solo de batería recostado sobre el slap del bajo de Orlando Wright. Fue entonces cuando Buddy dejó su guitarra a un costado y empezó a regalar sus púas a la gente. Y así, como por arte de magia, el ilusionista desapareció del escenario. Las luces del teatro se encendieron mientras la banda saludaba al público. Su último truco, dejarnos a todos en llamas, fue también una genialidad.

GRACIAS MAESTRO BUDDY……………….

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http://www.amca.info/

AVANCE PROGRAMACIÓN ReusBlues 2012 (22ª. Edición)

Andrea Motis& Joan Chamorro Group (Catalunya)
30 de junio / 21h.-TeatreBartrina
Andrea Motis, es una cantante que, con sólo 17 años, destaca como cantante, trompetista y saxofonista. Desde 2007, colabora con la Sant Andreu Jazz Band, dirigida por el saxofonista, clarinetista y flautista, Joan Chamorro con quien, en 2010, graba un disco titulado “Joan Chamorro presenta a Andrea Motis”. Últimamente y debido a su privilegiada voz ya su juventud, ha conseguido un gran reconocimiento, tanto por parte del público, como de los medios de comunicación.
Precio: 20 €, 15 € y 12 €

Blas Picón &TheJunk Express (Catalunya)
01 de julio / 20:30 h – El Racó de La Palma
(Junk: chatarra, hierro viejo, basura, trastos viejos, trastos)
Trío que apuesta por el lado más austero, descarnado y virulento del Rhythm& Blues, dejando aparte florituras y aspavientos musicales para centrarse en las vísceras de este estilo. Con referencias como Jerry McCain, Kid Thomas o “Papa” George Lightfoot, TheJunk Express recoge los elementos básicos, tan a menudo rechazados, que conforman esta tradición musical y los transporta en un tren con nombre propio.
Sonido crudo y actitud enérgica … Blues en su esencia.
Precio: 6 € + consumición (cerveza / refresco) (TR3SC 5 €)

La Bluesseria (Catalunya-Tarragona)
05 de julio / 20:30 h – El Racó de La Palma
La Blueseria ya lleva más de 10 años versionando temas clásicos de MuddyWaters, Little Walter, James Cotton etc .. con un directo eléctrico y con una energía que no os dejará indiferentes, con un sonido muy cuidado y una armónica que le hará sentir la música de una manera muy especial.
Precio: 6 € + consumición (cerveza / refresco) (TR3SC 5 €)

Sitges Rock Cafe Band (Catalunya)
05 de julio / 23:00 h – El Candil (Carrer Santa Ana)
Un grupo relativamente nuevo, pero con mucha profesionalidad por parte de sus componentes.
El rock y el blues juntos, con un directo potente que seguro no dejará indiferente a nadie.
Precio: Entrada Gratuita

Swing 42 (Catalunya)
06 de julio / 18:30 h – El Pallol
Un viaje por la Música de Django Reinhardt y del Jazz Manouche.
Un proyecto de la mano de músicos con una amplia trayectoria en los escenarios, todo alrededor del Manouche, estilo creado por Django Reinhardt y reinterpretado con guitarra manouche, banjo de cinco cuerdas, mandolina y contrabajo.
Swing 42 toma el nombre de unos de los temas más populares de Django para ofrecer una visión diferente del gypsy-jazz, desenfadada y alegre un concierto lleno de emociones en torno a la música acústica.
Precio: Entrada Gratuita

Demian Band (Argentina-Catalunya)
Eric Sardinas & Big Motor (USA)
07 de julio / 22,30 h-La Palma de Reus
Precio: 10 € (TR3SC 8 €)

Demian Band
Uno de los más prometedores artistas de Blues / Rock que ha emergido de la cultura Sudamericana y Española. Su música y virtuosismo suenan tan auténticamente Blues que podrías pensar que ha nacido en EEUU. Demian ha compartido escenario con artistas como JimmieVaughan, Bernard Allison, Roy Rogers, Elliott Murphy. Recientemente la marca de amplificadores Matamp, que ha construido los mejores amplificadores desde los ’60 por famosos artistas como Peter Green, Jimmy Page, entre otros, ha lanzado al mercado un modelo signature llamado “MATAMP Demian”

Eric Sardinas & Big Motor
Guitarrista, cantante y compositor, Eric Sardinas destaca por la intensidad en su directo. Desde finales de los 90 ha actuado en todo el mundo. Sus seis álbumes han mostrado un estilo único, que musicalmente lleva al límite el rock y el blues. Su guitarra marca su inspiración. Dispara al público una mezcla de heavy, blues y rock y te transporta en un viaje que va del pasado, pasando por el presente y viajando al futuro de la música que interpreta.

Miguel Talavera Power Trio (Catalunya)
08 de julio 20:30 h / El Racó de la Palma
Miguel Talavera, guitarrista, compositor y cantante catalán presenta su nuevo trabajo “House of Blues”. Una mezcla de blues-rock y pop con ciertas dosis de funk y jazz, donde se muestran sus influencias artísticas más marcadas. El disco se ha grabado en directo en el estudio de grabación, con pocas pistas adicionales para conseguir un sonido más real y espontáneo.
Precio: 6 € + consumición (cerveza / refresco) (TR3SC 5 €)


Esta mal que un español opine de una banda argentina , deberia afirmarlo un argentino. Si tenemos claro que MANAL Y DIAS DE BLUES , fueron las bandas pioneras del genero , Pappo un icono y valuarte , podemos afirmar que esta banda puede ser “LA MEJOR EN LARGO RECORRIDO ” , es España estaria “BLUESFALOS” como banda mas longeva y autentica. Quizas en Chile podemos estar hablando del LA BANDA DEL CAPITAN CORNETA y el maestro IVAN TORRES, en MEXICO de esta mas reñido el trono ( unos opinarían en onda blues rock ¡¡) prefiero que lo diga un mexicano.

Comenzaron tocando blues y cantando en inglés bajo el nombre “Mississippi Blues Band”. Editaron el primer disco, “Mbugi” (“endiabladamente bueno” en congoleño, 1993) que fue muy bien recibido: 20.000 copias vendidas. Pero se dieron cuenta de que «cantábamos en inglés, pero tocábamos en castellano», explica Tordó. Acortaron su nombre a simplemente La Mississippi y entonaron en “porteño”.

En el segundo álbum, “Bagayo” (1995), se atrevieron a abrirse un poco más, a salir de la ortodoxia del blues, para incursionar en historias verdaderas, cercanas y, principalmente, contadas en castellano. Este LP incluye el poema “Nocturno a mi barrio”, de Aníbal Troilo. Ese año participaron del Blues Festival, organizado en Obras, junto a glorias como Jeff Healey y Paul Rodgers.

Con el cuarto álbum, “Cara y ceca” (1997), la Mississippi festejó los nueve años de vida incursionando en otros ritmos latinos y litoraleños, más algún toque de jazz. «Este disco -asegura Tapia- nos ayudó a colocarnos bien dentro de la cultura del rock nacional, porque resulta evidente que se plasmó la idea de hacer un blues con indentidad argentina».

Hacia finales del 2001, el sello Quatro K Records editó “Bit Hippie”, un trabajo de estudio que resume «la combinación Mississippi + micrófonos de más de 30 años + tecnología digital, corazón valvular y vinos de primera línea», según lo explicó Ricardo Tapia.

“Sietevidas” fue editado por Quatro K Records en el 2003. Luego de recorrer el interior del país y varias plazas del Gran Buenos Aires, La Mississippi presentó el material en La Trastienda, en julio de 2004. Los shows marcaron el debut de del nuevo tecladista, Gastón Picazo (de sólo 22 años), quien reemplazó a Miguel “Chucky” De Ipola, que emigró a Los Piojos.

“Buenos Aires Blues” (2005) es un material grabado en forma de demo, con canciones propias y covers cantados en castellano y en inglés. Los primeros 6 temas de la placa habían sido grabados en mayo de 1992 con la idea de conseguir algún contrato discográfico (que luego firmarían con Del Cielito Records) y los otros dos corresponden a tomas de los años ’89 y ’91, encontrados en los archivos caseros de la banda.

“Versiones 20 años +” fue grabado en vivo a lo largo de cuatro shows en El Condado, en junio de 2008. A la banda se fueron sumando varios invitados, como Pity Alvarez, Miguel Vilanova, Nonpalidece, Beto Satragni, Manuel Quieto y Ricardo Mollo.





DISCOGRAFIA

Mbugie (1993)

Temas:

Café Madrid
Boogie de la Ruta 2
Que miseria
Camionero
Honey bee
The creeper return
Un poco más
Buenos Aires Blues
Lilly
Tres palabras
La chancleta
Same old blues

Bagayo (1995)

Temas:

Blues del equipaje
Matadero
Por fin te fuiste, Mabel
Mala transa
Blues de Juan
Hache roja
Un trago para ver mejor
Que mujer
Tus amigos
Piso de madera
Nocturno a mi barrio
Zydeco cha cha

Classic (1996)

Temas:

Caldonia
Baby plase dont go
Key to the highway
I’m your hoochie coochie man
Good morning litle school girl
Doña Laura
Handful of keys
You ll be mine
I want to be loved
I’ve got my mojo working
Adonde está la libertad
Call it stormy monday
Walking thu the park
Walking by my self
Café Madrid

Cara y ceca (1997)

Temas:

Vamo y vamo
San Cayetano
Niño bien
Celda gris
Taxi – taxi
Blues al anochecer
La danza de la lluvia
Obrero del amor
Reina de corazón
Hotel La Gallega
Jazz y caipirinha
Buenas noches

Palacio de pulgas (1999)

Temas:

Ahora vengo (R. Tapia – Hermida)
El fierro (R. Tapia)
Ella (R. Tapia – G. Ginoi)
Canción del pescador (R. Tapia)
Ojos de piedra (R. Tapia – E. Introcaso)
Bueno bueno bueno (R. Tapia – G. Ginoi)
Mono (R. Tapia – G. Ginoi)
No preguntes (R. Tapia – E. Introcaso)
Busco una canción (R. Tapia – G. Ginoi)
Abrime Negra (G. Ginoi)

Yo estuve ahí (2000)

Temas:

El fierro (R. Tapia)
Blues del equipaje (R. Tapia)
Ahora vengo (R. Tapia – Hermida)
La misma moneda (R. Tapia – E. Introcaso)
Mala transa (R. Tapia – G. Ginoi)
San Cayetano (R. Tapia – G. Ginoi)
Un poco más (R. Tapia – E. Introcaso)
Piso de madera (R. Tapia – M. Yeyati)
El matadero (R. Tapia – G. Ginoi)
El detalle (R. Tapia – C. Cannavo)
Ella (R. Tapia – G. Ginoi)
La danza de la lluvia (R. Tapia – E. Introcaso)
Tres palabras (R. Tapia)
Un trago para ver mejor (R. Tapia – G. Ginoi)
Café Madrid (R. Tapia – E. Introcaso)

Bit Hippie (2001)

Temas:

Perro guardián (R. Tapia – E. Introcaso)
El municipal (R. Tapia – C. Cannavo – J.C. Tordó)
Obsesión (R. Tapia – E. Introcaso)
Incidentes en la ruta (R. Tapia – C. Cannavo)
Gente mala (R. Tapia)
Mi capital (R. Tapia – G. Ginoi)
El detalle (R. Tapia – C. Cannavo)
Valentín Alsina (Ritmo y Blues) (R. Tapia – C. Cannavo)
Hola y adios (R. Tapia – E. Introcaso)
Sin rumbo (R. Tapia – G. Ginoi)
La misma moneda (R. Tapia – E. Introcaso)
Un día feliz (R. Tapia – G. Ginoi)
Fauna de bar (R. Tapia – G. Ginoi – C. Cannavo – J.C. Tordó – E. Introcaso – M. Yeyati – De Ipola)

Sietevidas (2003)

Temas:

Todo otra vez (R. Tapia)
El dieciseis (R. Tapia – C. Cannavo)
En busca de pleitos (R. Tapia – C. Cannavo)
El último blues (R. Tapia – G. Ginoi)
Ermitaño (R. Tapia – G. Ginoi – J.C. Tordó)
La casa (R. Tapia – G. Ginoi)
Bebo por amor (R. Tapia – G. Ginoi)
Testigo (R. Tapia – C. Cannavo)
Lejos de aca (R. Tapia – E. Introcaso)
Veinte chicas veinte (R. Tapia – E. Introcaso)
Tarde hasta para un gato (R. Tapia – G. Ginoi)
Sopa de hueso (R. Tapia – C. Cannavo)

Buenos Aires Blues (2005)

Temas:

Don’t treat me bad (R. Tapia – E. Introcaso)
Buenos Aires Blues (R. Tapia – G. Ginoi – Contreras)
The creeper return (Walter Jacobs)
Honey bee (R. Tapia – E. Introcaso)
You’re so fine (Walter Jacobs)
Sonny boy blues (Rice Miller)
Help me (Rice Miller)
Kansas city (Stoller)

Amor y Paz (2006)

Temas:

Amor y Paz (R. Tapia – E. Introcaso)
Dame dame (R. Tapia – G. Ginoi)
Denuevodevueltalomismo (R. Tapia – C. Cannavo)
Demasiado (R. Tapia)
Mí alma nocturna (R. Tapia – E. Introcaso)
La balada de Jimmy Gerli (R. Tapia)
El sabio (R. Tapia – C. Cannavo)
Diario de un crimen (R. Tapia – E. Introcaso)
Plentzia (G. Ginoi)
Así es la vida (R. Tapia – C. Cannavo)
Perdido por perdido (R. Tapia – G. Ginoi)
La vuelta (R. Tapia – G. Ginoi)
Barrio duro (R. Tapia – G. Ginoi)
Panza arriba (R. Tapia – G. Ginoi)

Versiones 20años+ (2009)

Temas:

Ruta 2 (R.Tapia), 21.06.08
La Mississippi
Un poco más (R.Tapia – E. Introcaso), 07.06.08
inv. Pity Alvarez
Tus amigos (R. Tapia – G. Ginoi), 21.06.08
inv. Miguel Vilanova – Jimy Santos
San Cayetano (R. Tapia – G. Ginoi), 14.06.08
inv. Nonpalidece
Sube a mi Voiture (Norberto Pappo Napolitano), 21.06.08
inv. Miguel Vilanova – Beto Satragni (Tren Plateado)
Buenos Aires Blues (R.Tapia – G.Ginoi – L.Robinson), 21.06.08
inv. Miguel Vilanova – Luis Robinson
Blues de Juan (R.Tapia – J.Hermida), 14.06.08
inv. Juan Hermida
Baby what you want me to do (Jimmy Reed), 28.06.08
inv. D.Dixon – J. Hermida – L.Robinson
Obrero del amor (R. Tapia – G. Ginoi), 21.06.08
inv. Beto Satragni – Jimy Santos
Por fin te fuiste, Mabel (G. Ginoi), 21.06.08
La Mississippi
Vamo y vamo (R. Tapia – E. Introcaso), 28.06.08
inv. Daniel Raffo
Qué mujer! (R.Tapia – E.Introcaso), 14.06.08
inv. Felipe Toro y Claudio Valenzuela
Mala transa (R. Tapia – G. Ginoi), 28.06.08
inv. Ricardo Mollo
Un trago para ver mejor (R. Tapia – G. Ginoi), 14.06.08
inv. Manuel Quieto y Franchie
Valentín Alsina, Rítmo y Blues (R. Tapia – C. Cannavo) 14.06.08
inv. Tom Lupo
El Detalle (R. Tapia – C. Cannavo) 14.06.08
inv. Juan Hermida – Eduardo Cirillo

Búfalo (2011)

Temas:

El titular (R. Tapia – G. Ginoi – C. Cannavo – J. C. Tordó)
Salvavidas (R. Tapia – G. Ginoi – C. Cannavo – J. C. Tordó)
Bufalo (R. Tapia – G. Ginoi – C. Cannavo – J. C. Tordó)
Ermitaño (R. Tapia – G. Ginoi – J. C. Tordó)
inv. Ricardo Iorio y “El Tano” Claudio Marciello de Almafuerte
La maquina del amor (R. Tapia – G. Ginoi – C. Cannavo – J. C. Tordó)
No confío (R. Tapia – G. Ginoi – C. Cannavo – J. C. Tordó)
Rara (R. Tapia – G. Ginoi – C. Cannavo – J. C. Tordó)
Un día más que se va (R. Tapia – G. Ginoi – C. Cannavo – J. C. Tordó)
Hells Bells (A. Young, M. Young, B. Johnson, published by J. Albert and Son (ASCAP))
La ciudad (R. Tapia – G. Ginoi – C. Cannavo – J. C. Tordó)
Solo un paso (R. Tapia – G. Ginoi – C. Cannavo – J. C. Tordó)

http://www.taringa.net/posts/videos/13862987.R/La-Mississippi-Blues-Band-_MegaPost_.html

PRÓXIMAMENTE UNA ENTREVISTA EN EXCLUSIVA CON RICARDO TAPIA……………………..¡¡¡¡

Los esclavos gallegos

Hoy cuando nos encontramos diariamente con gentes llegadas a nuestro país de lugares tan recónditos como India, Pakistán, Filipinas o China, no pensamos que hace apenas unas décadas fuimos los gallegos los que emprendimos caminos muy largos que nos llevaron a los lugares más recónditos del planeta.

Vemos que estos nuevos emigrantes se amontonan en pisos, juntándose decenas en una misma habitación y precisamente ese amontonamiento les hace que su integración no sea todo lo rápida que quisiéramos.

Pero sobre todas las cosas hay un detalle que poca gente sabe, porque no se ve, y es que muchos de ellos son traídos a Europa por mafias que les explotan durante años aludiendo una deuda de viaje y de mantenimiento que nunca termina. Eso se llama ” esclavitud “, sí, por raro que nos parezca a nuestro lado y de una forma masiva, a veces, viven gentes que son esclavos de mafias organizadas. Estas personas trabajan las horas que les ordenan, en lugares sin higiene, se prostituyen, o roban por cuenta agena, con la única consigna de satisfacer económicamente a “su amo”.

Claro que este tipo de situaciones siempre ha existido y en todas partes del planeta, el comprar a otro ser humano para que hiciera trabajos de forma obligada y sin remuneración alguna toda la vida fue un buen negocio…y lo seguirá siendo.

Pues por raro que nos parezca con nuestra emigración gallega también pasó el mismo caso, eso sí, no de forma masiva, pero varios de nuestros paisanos utilizaban a gente de su entorno en Galicia para que trabajara para ellos de forma barata y por mucho tiempo.

Esclavos gallegos en Cuba

No se sorprenda. En Cuba hubo también esclavos blancos europeos, no obstante ese término nos siga invocando la imagen de un negro.

En nuestra Isla hubo también esclavos rubios y de ojos azules, llegados desde las provincias gallegas, víctimas del más cruel engaño.
Aunque esos emigrantes europeos llegaron aquí bajo el nombre de colonos, de hecho eran esclavos, pues no pueden reconocérsele de otra forma si se tiene en cuenta los crueles maltratos a los que fueron sometidos por sus explotadores.

La infamante esclavitud padecida en Cuba no fue sólo la inflingida a los negros traídos de África, o a los coolíes llegados desde China, muchos años después.
Aquí hubo también esclavos blancos traídos desde las provincias gallegas, a los que se les dio similar trato que a los esclavos negros, y, en algunos casos, aún mucho peor.

Sin embargo, el tema es en verdad casi desconocido, en parte porque pareciera poco creíble que tales hechos pudieran suceder a mitad del siglo XIX, en parte porque la esclavitud negra y asiática pertenecía al orden natural que hasta más allá de la mitad de la centuria se vio como un mal inevitable para muchos.
La fuerza que llevó a la esclavización de hombres naturales de la propia España se escondió detrás de una cortina. Pero fue tan cierta —matices más o menos— como las otras.

Las causas se conocen: Galicia, hacia 1850, andaba en la ruina; y muchas de sus gentes se vieron obligadas a desterrarse por la hambruna.
En Cuba los “indios” habían sido prácticamente exterminados; el miedo “al negro”, crecía por día, y la trata china estaba en ciernes.
Entonces el viejo concepto de importar mano de obra barata a tono con la mejor “teoría colonizadora hispano-cubana” —según explica Manuel Moreno Fraginals—, se hizo cargo de canalizar la desesperación de los gallegos y hacerlos carenar en Cuba “para utilidad de los grandes empresarios”.
Hasta aquí sobre gallegos esclavos en Cuba. En el próximo espacio de La Ciudad de las Columnas continuaremos con este casi desconocido tema de nuestra historia.

Esclavos negros en América

La forma era igual que la utilizada en nuestros días, se reclutaba a la gente de la propia aldea y de las vecinas que quisiera emigrar y no tuviese dinero para hacerlo y se los embarcaba con la promesa de trabajo y bienestar. Una vez en el país de destino se los acomodaba en un rincón y a partir del primer día pasaban a trabajar para su “benefactor” con la escusa de pagar los gastos adquiridos en pasage, estancia y comida diaria. Esta situación se alargaba en los años y mientras el benefactor embolsaba los beneficios los “paisanos” trabajaban de sol a sol y nunca acababan de pagar la deuda.

Otras veces se les obligaba a realizar delitos, eso si, de poca cuantía que no ensuciaban el nombre del patrón sino del empleado. Y que decir de las mujeres que fueron llevadas de la aldea al burdel, y de los niños que debieron trabajar a la par que sus padres para liquidar la deuda.

Nuestra emigración también tubo su ” zona oscura ” pero a nadie nos interesa reconocerla por lo denigrante y despreciable que ha sido. Bueno sería que nuestros descendientes supieran que no todo fue como se cuenta sinó que, como decía mi padre “de emigrante…¡ hay que pasarlas putas!”

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Coruñeses esclavizados en el delta del Mississippi

Centenares de emigrantes acabaron engañados en las plantaciones para sustituir a los negros

La progresiva abolición de la esclavitud negra en 1865 tras la Guerra de Secesión norteamericana provocó una enorme demanda de mano de obra en las plantaciones que los antiguos traficantes negreros intentaron paliar con la una masiva inmigración de indios del Yucatán, coolies chinos o europeos pobres.
Documentos hallados en los archivos históricos coruñeses por la profesora Aurea Rey, presidenta del Círculo de Artesanos, revelan la actividad de los ganchos norteamericanos para captar incautos con destino a las plantaciones de Nueva Orleáns en una ciudad de A Coruña depauperada por la ola de miseria que siguió a la epidemia de cólera que diezmó Europa en la segunda mitad del siglo XIX. Los archivos de la Beneficencia coruñesa recogen en 1872 la presencia en A Coruña del traficante norteamericano Charles Nathan, que repartió por toda la ciudad unos pasquines en los que se invitaba a emigrar a las haciendas de Nueva Orleáns a los coruñeses bajo unas condiciones aparentemente ventajosas.
Una circular del gobernador coruñés Enrique de Leguina publicada en 1880 disipa cualquier duda acerca del infausto destino que aguardaba en Nueva Orleáns a los incautos coruñeses que cayeron en las redes del traficante Nathan. “Me dice el cónsul de España en Nueva Orleáns —afirma Leguina— que de los que emigraron a esas tierras de la Luisiana en 1873 apenas se encuentra rastros de alguno de ellos, porque los demás dejaron su huesos en el fondo de aquellos pantanos. Nuestros agricultores no pueden reemplazar a los negros en aquellos campos pantanosos y cálidos y perecen después de haber pasado una vida llena de penalidades y sufrimientos”. El gobernador pide que se hagan públicos los datos de las verdaderas condiciones infernales que esperan a los colonos captados, para “tantos infelices coruñeses ilusionados con falaces y engañosas promesas no se vean sumidos en la miseria o encuentren una muerte prematura y segura en tan peligroso clima e inhospitalarias regiones”.
El traficante Nathan llegó a proponer a la corporación coruñesa presidida por Federico Tapia la entrega de los niños mayores de 12 años del Asilo de Mendicidad para enviarlos a las plantaciones de Nueva Orleáns a cambio del pago de una comisión de seis reales por cabeza, lo que fue rechazado por “indigno”. Un informe elaborado por el ayuntamiento coruñés evidencia que realmente se trata de un “engañoso negocio sin escrúpulos con el que se quiere sustituir por niños coruñeses la mano de obra esclava negra, que una vez libre no quiere hacer esos inhumanos trabajos.

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ARTICULO COMPLETO……………¡¡¡¡¡

El último defensor de la esclavitud

Texto: Santiago Romero

Escena de la esclavitud. / LOC
La revisión histórica sobre la esclavitud abierta en EEUU por la llegada al poder de Obama ha hecho emerger la controvertida figura de Ferrer de Couto

El azar ha querido que en el día que se celebró el segundo centenario del nacimiento de Abraham Lincoln, Barack Obama fuera presidente de los Estados Unidos. Esta asociación, más allá del azar, no deja de tener unos tintes de asombroso paralelismo histórico que han alimentado todo un entramado mediático entre ambas figuras, hasta el punto de convertir al primer presidente negro de los EEUU en una resurrección del legendario dirigente que erradicó la esclavitud. El propio discurso presidencial de Obama fue comparado con la histórica alocución de Lincoln al pueblo americano en Gettysburg durante la Guerra de Secesión.
La simbiosis entre Obama y Lincoln, un presidente que sería recordado, admirado y respetado a lo largo de los años, se debe sobre todo al magnetismo de sus trayectorias personales. Lincoln, como Obama, fue un hombre humilde y hecho a sí mismo que tenía como prioridad principal de su vida política mantener la unidad de la nación que no llegaba ni a los 100 años de historia.
La Guerra Civil o de Secesión dividió el norte y el sur durante su presidencia, con el reto presidencial de mantener unido el país. Cosa que finalmente sucedió. De Lincoln nos quedan para la historia algo tan importante como el Acta de Proclamación que abolió la esclavitud. O el discurso de Gettysburg en que dijo la tan repetida frase de “el gobierno del pueblo, por el pueblo, para el pueblo, no desaparecerá de la Tierra”.
Lincoln ha sido un modelo para muchos presidentes. Infinitamente citado y estudiado, el primer presidente asesinado de la historia de los Estados Unidos tiene hoy un lugar de honor en Washington. El Lincoln Memorial guarda mucha similitud con una iglesia: al entrar en él, el visitante siente una terrible emoción, empequeñece de golpe ante tal monumentalidad. Obama ha repetido hasta la saciedad su predilección por Lincoln. Lo mencionó en más de una ocasión durante su campaña. Lo hizo en el discurso de aceptación de la nominación y en el discurso de victoria. Es un referente que está en el imaginario colectivo de los americanos que ha querido reclamar también como suyo.

Escena de la esclavitud. / LOC

Esta revisión viviente del mito de Lincoln ha comenzado a limpiar lo que Obama llamó en su discurso de investidura presidencial la “mancha del pecado original de la esclavitud”. Y viene a superar la brecha histórica abierta por el asesinato nunca aclarado del líder de la lucha por los derechos civiles de los negros Martin Luther King hace más de tres décadas, que llevó al dirigente del movimiento radical negro Malcom X a pronunciar su terrible frase: “Yo no soy americano. Yo soy uno de los 22 millones de negros que han sido víctimas del americanismo”. La llegada de un negro a la Casa Blanca ha abierto en Estados Unidos un vasto e incómodo proceso de revisión histórica del fenómeno de la esclavitud que por primera vez comienza a abordarse con unas claras premisas históricas alejadas del tabú.

Escena de la esclavitud. / LOC
Un claro ejemplo de este proceso es la magna exposición organizada por la Sociedad Histórica de Nueva York sobre el papel de la clase empresarial neoyorquina en la abolición de la esclavitud, un hecho que tuvo un enorme impacto sobre la economía a mediados del siglo XIX. Una de las joyas rescatadas en esta muestra es un controvertido libro publicado por el ferrolano José Ferrer de Couto, propietario del primer periódico de habla hispana en Nueva York —La crónica— y miembro activo de la sociedad pudiente de la Gran Manzana —como prueba la extensa necrológica que le dedicó a su muerte el New York Times en 1877— que encabezó en los estados del norte la oposición a los planes abolicionistas de Abraham Lincoln. Los negros en sus diversos estados y condiciones; tales como son, como se supone que son y como deben ser, publicado originalmente en Nueva York en 1864, un año antes del final de la Guerra de Secesión y del asesinato de Lincoln, que acaba de ser reeditado en España por la editorial Extramuros especializada en libros raros y antiguos, es un extenso estudio que intenta justificar económica, histórica y moralmente la práctica de la esclavitud —que Ferrer de Couto no reconoce como tal, sino como “trabajo organizado de los negros”— y se plantea como una base de acuerdo para que ambos bandos en guerra, el norte de Lincoln y el Sur de Jefferson, la preserven sea cual fuere el resultado final de la contienda. “Tratando de facilitar un acomodamiento honroso entre el Norte y el Sur de los Estados Unidos se han pensado y escrito todos los argumentos de este libro”, dice Ferrer de Couto en el prólogo. El periodista coruñés entiende que la esclavitud de los negros es en realidad “el rescate de aquellos infelices” de sus “atroces” condiciones originales en África y la “aplicación de sus fuerzas a la agricultura y a la industria es un hecho civilizador y humanitario”.

Trabajo en las plantaciones y traslado en los barcos negreros.
/ LOC
Los argumentos de Ferrer de Couto deben situarse en su adecuado contexto histórico, en el que sus razones configuraban un debate tan normal entonces como el que hoy pueda darse en nuestra sociedad sobre la conveniencia de el abaratamiento del despido como solución a la crisis económica y al desempleo. Hay que recordar también que la abolición abocó a los negros a otra especie de esclavitud de facto no reconocida oficialmente como mano de obra barata y sin apenas derechos en las fábricas del industrializado norte, si bien es indiscutible que su emancipación fue el primer paso de un tortuoso camino que ha desembocado en la asunción del máximo poder de los Estados Unidos por un hombre del mismo color que aquellos esclavos.
“El libro de Ferrer de Couto —señala el editor de Extramuros, Carlos Carrillo— pese a ser una obra más que controvertida, no deja de ser un interesante documento, nunca antes reeditado, donde se tratan el origen y la legislación histórica de la esclavitud, el movimiento abolicionista, los diferentes tratados internacionales al respecto en la época de la guerra de secesión americana, así como una propuesta de paz aceptable para ambos bandos”.
Ferrer de Couto escribe en 1864, en pleno declive de España como superpotencia mundial que tocará suelo en 1898 con la pérdida de Cuba y Filipinas, que “una de las causas principales que fomentan el desorden actual en toda la América española es la falta de brazos que hay en aquellos países desde que, por los excesivos arranques de su liberalidad, han abolido el trabajo forzoso de los negros”.
No duda en atribuir históricamente a España y Portugal la responsabilidad del tráfico de esclavos a gran escala desde África a América. “Comenzóse con esto la costumbre de esclavizar a aquellos miserables trayéndolos a España hasta que el descubrimiento del Nuevo Mundo, a los últimos del siglo XV, hizo dar un nuevo giro a estos procederes”, dice Couto, que considera que este flujo permitió “arrancarlos de los altares del Demonio y trasplantarlos a tierras cultas donde al fin alcanzaban el conocimiento de Dios y de la vida social, por los caminos de la religión y el trabajo”. Para reforzar este argumento, el periodista Ferrer de Couto, gran conocedor de África, hace en su extenso libro unas detalladas descripciones de la brutalidad que impera en las naciones del África occidental desde que la influencia española y portuguesa fue desplazada por los “filántropos” ingleses y franceses, que dejan en un cuento de hadas las atrocidades registradas en El corazón de las tinieblas de Conrad, ambientado en el Congo.
Valga este ejemplo:

Grabados sobre la esclavitud y anuncios de subastas de negros en Nueva Orleans / LOC

“Bahadung, rey de Dahomey, se dispone a celebrar la fiesta del rey Gezo, su predecesor. Queriendo superar en grandiosidad a todos los monarcas anteriores, Bahadung ha mandado abrir una zanja inmensa, que deberá contener la sangre humana necesaria para que pueda recorrerse en lanchas. Con este objeto serán degolladas dos mil personas”.
El periodista ferrolano se presenta a sí mismo como un reformador que reniega de los esclavistas inhumanos y expone todo un detallado manual legislativo de lo que denomina como “moderna y humanitaria esclavitud”, que debería ser según él uno de los pilares económicos de la sociedad americana que emergiese de la guerra fratricida de Secesión.
Para ser justos con Couto —y esa es la labor del revisionismo histórico que se está desarrollando actualmente en Estados Unidos sobre la esclavitud— hay que decir que su posición era la dominante entonces en buena parte parte de la sociedad neoyorquina, como se admite en la muestra antes mencionada de la Sociedad Histórica:

Lincoln lee la Biblia con una de las primeras negras emancipadas. / LOC
“Los redactores de la prensa de Nueva York de la época alababan la esclavitud como un sistema benévolo de trabajo y el único adecuado para los de ascendencia africana”.
La prueba es que el New York Times dedicó a Couto en 1877 una generosa necrológica —reproducida en la página 3 de este reportaje— en la que lo retrata como un gran periodista que amasó una considerable fortuna en la ciudad de Nueva York, en la que ejercía una importante influencia y era sin lugar a dudas el gran referente de la numerosa colonia española de entonces —no hay que olvidar que España era entonces una gran potencia mundial—. Couto, que según el homenaje póstumo del rotativo neoyorquino estaba en posesión de todas las grandes distinciones de la Corona española, era un gran erudito que escribió numerosos libros de tema histórico —entre ellos, la historia de la Armada española, en la que un antepasado suyo, Diego De Couto, se distinguió en la batalla de Trafalgar— y era celebrado entre la alta sociedad como un personaje único que se batió varias veces en duelo.
Su figura emerge ahora de la historia en un tema ingrato al que no podemos asomarnos —como el propio Obama dijo de la historia de su país— sin empaparnos antes del contexto de la época.

“Lincoln hace inevitable la guerra”

“La elección de Mr. Lincoln como presidente de la República hace inevitable la guerra, fue como el primer cañonazo disparado entre las dos secciones”.
Así fue recibida la llegada de Lincoln al poder en La Crónica —cabecera que en algunas fuentes figura como El Cronista—, primer periódico de habla hispana publicado en Nueva York y propiedad del ferrolano José Ferrer de Couto.
“La proclama expedida por el presidente Lincoln el 22 de septiembre de 1862 contra la esclavitud de los negros, o hablando mucho mejor, contra la legítima propiedad de las provincias sublevadas, puesto que de los beneficios de dicha proclama quedaban exentos los negros esclavos en otros Estados fieles a la Constitución federal, en lugar de reprimir la insurrección, le dio mayor cuerpo y energía”, escribe Couto poco después.
Una vez desatada la guerra de secesión, las páginas de La Crónica achacan desde Nueva York toda la responsabilidad de la tragedia a la proclama abolicionista de Lincoln:
“Hace tres años que este país era la envidia del universo. Treinta millones de habitantes de todas clases, religiones y naturalezas vivían reunidos y felices bajo el gobierno más libre de todo el mundo. Hoy, la mitad del país se halla en rebelión contra el gobierno. Trescientos mil soldados americanos pelean unos contra otros en los alrededores de la capital de la Nación. Los ejércitos leales destruyen las propiedades públicas y particulares en el Sur y los ejércitos rebeldes invaden y destrozan el Norte. Tal es el espantoso estado de la República. ¿Quiénes son los responsables? Hace unos treinta que unos fanáticos que salieron de la Nueva Inglaterra principiaron á agitarse sobre los negros y los propietarios de esclavos en el Sur se ofendieron de esta tentativa para privarles de su propiedad. Voy a concluir fortificando en el ánimo de mis lectores la idea que he emitido y que he de sostener, de ser la cuestión de los negros causa principal de tanta desolación, y todas las demás secundarias. La anarquía, con todo su séquito de horrores, se ha comenzado a manifestar sedienta de exterminio en la América septentrional, y siempre por la misma causa. por la causa de los negros”.
Su oponente Abraham Lincoln murió asesinado a tiros en un teatro en 1865, apenas un año después de las diatribas de José Ferrer de Couto, por un fanático del Sur, James Booth. El periodista ferrolano continuó siendo un personaje influyente en Nueva York hasta su muerte en 1877. Fue enterrado en la megalópolis estadounidense por expresa decisión suya.

Despacho del cónsul de España en Nueva Orleáns alertando sobre la esclavitud encubierta de españoles.
(l) Aurea Rey
Coruñeses esclavizados en el delta del Mississippi

Centenares de emigrantes acabaron engañados en las plantaciones para sustituir a los negros

La progresiva abolición de la esclavitud negra en 1865 tras la Guerra de Secesión norteamericana provocó una enorme demanda de mano de obra en las plantaciones que los antiguos traficantes negreros intentaron paliar con la una masiva inmigración de indios del Yucatán, coolies chinos o europeos pobres.
Documentos hallados en los archivos históricos coruñeses por la profesora Aurea Rey, presidenta del Círculo de Artesanos, revelan la actividad de los ganchos norteamericanos para captar incautos con destino a las plantaciones de Nueva Orleáns en una ciudad de A Coruña depauperada por la ola de miseria que siguió a la epidemia de cólera que diezmó Europa en la segunda mitad del siglo XIX. Los archivos de la Beneficencia coruñesa recogen en 1872 la presencia en A Coruña del traficante norteamericano Charles Nathan, que repartió por toda la ciudad unos pasquines en los que se invitaba a emigrar a las haciendas de Nueva Orleáns a los coruñeses bajo unas condiciones aparentemente ventajosas.
Una circular del gobernador coruñés Enrique de Leguina publicada en 1880 disipa cualquier duda acerca del infausto destino que aguardaba en Nueva Orleáns a los incautos coruñeses que cayeron en las redes del traficante Nathan. “Me dice el cónsul de España en Nueva Orleáns —afirma Leguina— que de los que emigraron a esas tierras de la Luisiana en 1873 apenas se encuentra rastros de alguno de ellos, porque los demás dejaron su huesos en el fondo de aquellos pantanos. Nuestros agricultores no pueden reemplazar a los negros en aquellos campos pantanosos y cálidos y perecen después de haber pasado una vida llena de penalidades y sufrimientos”. El gobernador pide que se hagan públicos los datos de las verdaderas condiciones infernales que esperan a los colonos captados, para “tantos infelices coruñeses ilusionados con falaces y engañosas promesas no se vean sumidos en la miseria o encuentren una muerte prematura y segura en tan peligroso clima e inhospitalarias regiones”.
El traficante Nathan llegó a proponer a la corporación coruñesa presidida por Federico Tapia la entrega de los niños mayores de 12 años del Asilo de Mendicidad para enviarlos a las plantaciones de Nueva Orleáns a cambio del pago de una comisión de seis reales por cabeza, lo que fue rechazado por “indigno”. Un informe elaborado por el ayuntamiento coruñés evidencia que realmente se trata de un “engañoso negocio sin escrúpulos con el que se quiere sustituir por niños coruñeses la mano de obra esclava negra, que una vez libre no quiere hacer esos inhumanos trabajos.

Txus y Jose se han convertido en habituales de la escena blues española , gracias a sus buenos temas , diversion a raudales y calidad artistica mas que contrastada. Este año de momento confirman su presencia en dos citas BLUESCAZORLA “Su segunda casa donde van camino de batir el record de participaciones …….si no lo han hecho ya ” y ahora en la nueva cita de BENICASSIM DIA 1 y 2 DE Junio.

Casi todos los géneros musicales ya están representados en festivales en la provincia de Castellón, pero faltaba uno, el más básico de la música moderna, el que tuviese el blues como protagonista. Y esa carencia va a quedar subsanada desde el mes de junio, con el nacimiento del Benicàssim Blues, un evemto que tiene la particularidad de celebrarse al aire libre en distintos escenarios de la ciudad y, por lo tanto, ser gratuito para el espectador. Es una fórmula utilizada en el festival de blues que se celebra cada año en Hondarribia (Guipuzcoa), donde el público se traslada por la ciudad en busca los escenarios donde escuchar blues en directo.

Es Capper Benicàssim la empresa encargada de organizar este festival que tendrá lugar entre el 1 y el 3 de junio, con la colaboración de hosteleros de la localidad,la intención es que actúen desde las seis de la tarde cuatro bandas el viernes, cinco el sábado y tres el domingo –doce en total- en al menos dos escenarios de la localidad, ubicados en la plaza de la Estaciòn y en la calle Santo Tomás, más otro espacio detrás de la iglesia para desarrollar actividades didácticas. Todo ello acompañado por una zona de mercadillo.

La clausura tendrá lugar con una fiesta a celebrar el domingo 3 en la Torre Sant Vicent.

Si lo bueno , repetido se convierte en dos veces bueno , rindo mi pequeño homenaje a este gran bluesmen americano , que hoy cumpliria su efemerides.

con el articulo del maestro sumelier&blues : MARTIN SASSONE :http://malbecblues.blogspot.com.ar/2012/04/de-la-cuna-hasta-la-tumba.html .

De la cuna hasta la tumba : por Martin Sassone.

John Campbell tendría hoy 60 años si su corazón no hubiera estallado mientras dormía una noche calurosa de junio de 1993. Su legado discográfico es tan acotado como extraordinario. Campbell fue un guitarrista visceral y un cantante formidable, que aullaba unos blues humedecidos en bourbon. Murió en el mejor momento de su carrera: sus discos para el sello Elektra cautivaban al mundo del blues y su gira junto a Buddy Guy por Europa había sido un éxito. Si la Parca no hubiese irrumpido en su habitación, hoy sería uno de los popes indiscutidos del género. De todas maneras, su temprana muerte no hizo más que erigirlo en un mito, algo así como Stevie Ray Vaughan, pero con mucha menos prensa.

Nació en Shreveport, Louisiana, el 20 de enero de 1952 y se crío en Texas. Su música refleja el sonido árido texano, inspirado en la figura de Lightinin’ Hopkins, y los blues profundos del Delta. Empezó a tocar la guitarra de muy chico y a los 13 años ya lo hacía a cambio de una remuneración. Fue una de esas jóvenes promesas como Jonny Lang, Shuggie Otis o Nathan Cavaleri. De adolescente fue telonero de músicos enormes como Albert Collins o Clarence “Gatemouth” Brown. Pero la música no era su única pasión. Los autos ocupaban el otro costado de su interés. Empezó a correr picadas hasta que tuvo un accidente que casi le cuesta la vida. Campbell perdió el ojo derecho, sufrió la fractura de varias costillas y se le perforó un pulmón, por lo que tuvo que pasar varias semanas internado. Ese accidente terminó de inclinarlo hacia la música. Con el tiempo, su voz se tornó más cavernosa y su slide, casi como un puñal afilado, comenzó a describir sonidos más oscuros. Empezó a alternar su Gibson Southern Jumbo y su National Steel de 1934 con la guitarra eléctrica. Volvió a tocar en los bares de su pueblo y alrededores. Siguió creciendo y fue fichado por los productores de algunos festivales de blues.

Pero su vida cambió de lleno cuando se fue a vivir a Nueva York. Si bien es cierto que al comienzo siguió haciendo lo mismo que en el sur, tocar en vivo ante no mucho público, un encuentro fortuito lo llevó directamente a un estudio de grabación. El guitarrista Ronnie Earl quedó encantado con su forma de tocar y cantar los blues y le ofreció producir su primer álbum. El 18 de abril de 1988, Earl y Campbell entraron a los estudios Splice of Life, en Brighton, Massachusetts, junto a otros músicos de fuste como el armonicista Jerry Portnoy, el baterista Per Hanson y el cantante Darrell Nulisch. El resultado fue A man and his blues, una obra formidable y abrasiva. Tal vez porque todavía no era muy conocido, el álbum no tuvo cabida en su país y tuvo que ser editado por el sello alemán Crosscut. Pero al año siguiente llegó a oídos de los bluseros más acérrimos y gustó tanto que fue nominado para un premio W.C. Handy, y así llamó la atención en su tierra. Recién un año después de su muerte, en 1994, el sello Blue Rock’it lo reeditó en EE.UU. A partir de 1989, la figura de Campbell creció a pasos agigantados. La compañía Elektra puso el ojo en él y así grabó otros dos discos excepcionales, más eléctricos que A man and his blues, pero con el mismo espíritu: One believer (1991) y Howlin’ mercy (1993). Este último incluye un cover de Tom Waits, Down in the hole, que es de las mejores interpretaciones bluseras de los noventa. Hay otros dos discos suyos, en pequeños sellos independientes, pero son muy difíciles de conseguir.

Para los descendientes de anglosajones, su nombre es algo así como Juan García. Si buscan en la web se van a encontrar con decenas de “John Campbell”, tanto políticos ingleses como estadounidenses, militares, deportistas, académicos, científicos, escritores y hasta músicos. Pero sólo éste John Campbell fue capaz de tocar blues desde las entrañas y no vivir para contarlo, de la cuna hasta la tumba.


JOHN CAMPBELL POR : http://lamejorguitarra.blogspot.com.es/2011/04/john-campbell.html

John Campbell,uno de los grandes del blues y también un gran desconocido. Su discografia no es muy extensa, pero nos encontramos ante un muy buen guitarrista, compositor, poseedor de una voz profunda perfecta para el blues.

Nacido en el año 1952 en Shreveport (Louisiana), a los ocho años obtiene su primera guitarra y a los trece ya forma parte de una banda.

A los dieciseís años se traslada a Texas donde forma un trio denominado “Junction” , es la típica formación de guitarra, bajo y batería.

Con esta primera banda esta dos años hasta su disolución, actuan en pequeños locales de Texas realizando pequeñas incursiones en New Orleans lo que le permite ir puliendo su estílo. Tenemos al “Buesman” de carretera, sin destino conocido y sobreviviendo según la leyenda urbana vendiendo su sangre por dinero.

Poco después tiene un accidente de automovil que le hace perder un ojo, debe ser intervenido para reconstruirle el rostro, este accidente mermará su salud en los siguientes años.

Durante su recuperación sigue practicando su estilo basado en riffs poderosos, staccattos y un slide que nos puede hacer temblar el alma. Sus letras son tristes, nos hablan de violencia, celos, envidias, pantanos, engaños, etc. , muchos temas son composiciones suyas pero como todos, no perdió la ocasión de versionar los grandes temas del blues.

En este primer video John Campbell nos hace una demostración de los diferentes estilos de blues, empieza normal, tenemos un sólo del segundo guitarrista muy bueno, pero lo mejor llega al final. Os recomiendo que lo veaís entero.

Publica su primer disco en solitario titulado “Street Suite” (1975) , también graba posteriormente una serie de cintas acústicas que serán editadas años después en una recopilación denominada “Tyler, Texas Sessions” (2000).

En 1985 se traslada a New York para actuar en locales y clubs de la gran manzana, es aquí donde Ronnie Earl produce su siguiente trabajo “A Man and His Blues” (1988), este es un disco imprescindible para los amantes del blues.

Al año siguiente es nominado a uno de los premios W.C Handy.

Después de este trabajo también graba “One Believer” (1991) y “Howlin´Mercy” (1993), en este último trabajo encontramos una versión del tema “When the Levee Breaks” de Led Zepelin, las dos son grabaciones que al menos hay que escuchar. Seguramente acabarán en vuestra colección de blues.

Se une en gira por los Estados Unidos con Buddy Guy, en los dos años siguientes (1992-1993) realiza giras por Europa. Pero en el mes de Junio de 1993 tiene un ataque al corazón y muere a la edad de 41 años. Su muerte nos ha impedido disfrutar de uno de los mejores músicos de blues y que podía haberse convertido en leyenda con el tiempo, es curioso, muere justo cuando su último trabajo empezaba a ir de boca en boca por los círculos musicales, la maldición del blues.

Quiero agradecer a nuestros amigos del blues que ya han difundido algunas entradas de este gran músico en sus blogs.

DISCOGRAFIA

Street Suite (1975, Sync Records)
A Man And His Blues (1988, Cross Cut Records; re-issued en Julio de 1994, Blue Rock’it Records)
One Believer (1991, Elektra)
Howlin’ Mercy (1993, Elektra)
Tyler, Texas Session (2000, Sphere Sound Records)

Marcelo “Cacho” Gala , viene realizando una labor encomiable en Bolivia con su escuela de musica y se ha convertido el el FARO DEL BLUES , que
guia a las nuevas generaciones de bluesmen bolivianos, enhorabuena por ese aniversario , esperamos las BODAS DE ORO , un abrazo. Paco San Juan.

http://lamazablues.blogspot.com.es/search/label/blues%20en%20bolivia

Constancia. El músico celebrará con varios colegas invitados sus dos décadas de trayectoria, impulsando el ritmo de blues en la capital cruceña.

Marcelo Gala es uno de los talentosos que se ha ganado ya un lugar en la movida musical de la ciudad y el día sábado junto con su banda harán una celebración en el Black Montain debido a que se cumple 20 años del blues de Gala en Santa Cruz. Recordemos que el líder de “La Maga Blues” llegó por estas tierras en 1990 y como músico formó parte de varias bandas que marcaron su paso por la escena musical nacional. Fue líder de los inolvidables Perros Rabiosos, además de ser dueño original de la casa del blues “Clapton”. Él, actualmente dirige el centro artístico Crear donde da clases de música y tiene editado un “método de guitarra” por Editorial Perfil.

Una noche especial. Entre los invitados estarán: Glen Vargas (Track), Jorge Ampuero (AdC), Salvador Sambiasi e Ignacio Cossío Morales (Fiesta cuetillo), Nicolás Bluske (Tarija), Toti Barrenechea (Los Salmones), Billy Castillo (BCG), Eduardo Rojas (la extraña máquina), Santiago Vallejos (420 PC), Carlos Antezana (la extraña máquina) y algunos otros.

fuente y foto: El Sol de Santa Cruz ©2009-2010 Santa Cruz – Bolivia, Dirección: Av. Cristo Redentor, KM 7 ”El Remanso”
http://www.elsol.com.bo

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“CACHO GALA EN SALTA: CLINICA MUSICAL Y SHOW DE LA MAGA BLUES BAND”
Vuelve un maestro del blues y toca el Cuarteto de Nos

CACHO GALA EN SALTA: CLINICA MUSICAL Y SHOW DE LA MAGA

El prolífico guitarrista y cantante de blues Marcelo Gala Grillo desembarcará una vez más en su querida Salta durante este fin de semana. Las actividades del artista contemplan la realización de una clínica-taller de blues para músicos e interesados este viernes a las 18:30, y dos shows con su banda La Maga presentando su tercer disco el viernes y el sábado por la medianoche. Todo se llevará adelante en Beel Zebul, el restobar ubicado en Necochea 748 del corredor Balcarce. El bar también cuenta con la presentación del “Cuarteto de Nos” el día domingo a partir de horas 20.

Marcelo Gala Grillo se prepara para brillar una vez más en los escenarios de Salta. Luego de formar a toda una generación de músicos salteños a finales de los años 80, el artista se movió a Santa Cruz de la Sierra (Bolivia) para radicarse y conformar su banda de rock y blues “La Maga”, además de formar a nuevos talentos de la música boliviana.

Durante este fin de semana, Gala, incansable trabajador, compositor e intérprete realizará diversas actividades en la ciudad; primeramente ofrecerá una Clínica-Taller de Blues el día viernes 18 a partir de horas 18:30. Se trata de un taller de enseñanza “sobre el blues dedicado no solo a guitarristas, sino a aquellos instrumentistas que les interese el blues en cuanto a lo armónico y sus posibilidades de improvisación” explico el propio Cacho. La cita se llevará a cabo en Necochea 748.

Luego, el propio viernes 18, pero a la medianoche, en el restobar Beel Zebul (Necochea 748) el músico ofrecerá un show junto a su banda La Maga presentando su tercer disco de estudio “Todo está bien”. Se trata de un álbum de edición doble “con la música en un CD y un DVD documental de todo el proceso de grabación” comentó Gala. En la ocasión La Maga contará con las presencias especiales de artistas salteños de rock y de blues como el armoniquista Ariel Sánchez, los guitarristas Fabián Amerise (Fairland Rockets), Walter Guzmán, Carlos “Pelado” Vega (Perro Ciego), Marcelo Dique (Perro Ciego), el baterista Oscar “Chinato” Torres, entre otros.

La cita se repetirá el sábado 19, también a la medianoche y en el mismo local de Necochea 748.

Fuente : http://beelzebulbandasenvivo.blogspot.com.es/2011/02/cacho-gala-en-salta-clinica-musical-y.html

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DISCO EN 2006 EN BOLIVIA.-

Marcelo Gala y su banda lanzan un nuevo disco de rock
(Santa Cruz – El Nuevo Día)

Los componentes de la banda: Toni, Hugo y Marcelo
“Es como hablarle a las piedras”, álbum del guitarrista Marcelo Gala, comienza a difundirse hoy con un concierto de presentación en la Casa Lorca.

La placa discográfica es producto de la autoría de Gala y de su vocación por el blues y el rock. Las canciones contienen una dosis de rebeldía, otra de romance e hilando ambos ingredientes, el talento y el carisma de Gala. En esta producción el músico argentino, que adoptó a Santa Cruz como su residencia y espacio creativo hace 15 años, está apoyado por Hugo “Titi” Urquiza en la batería y Toni Sagárnaga en el bajo -con quienes actuará en vivo-, aunque en la grabación intervinieron otros artistas.

Gala aclara que “Es como hablarle a las piedras” es un proyecto personal, no grupal por lo que él grafica la portada, más allá de cualquier egocentrismo. Gala, que vive de la música enseñando e interpretando en recitales con La Maga de martes a sábado, se siente orgulloso de ello y niega que el título del disco -frase del “Che Guevara”- represente pesimismo respecto a los frutos de su labor. Se refiere a una experiencia anecdótica en Equipetrol, cuando el público hacía todo menos apreciar su música. Los mensajes de sus letras son mayoritariamente fuertes. “Quiero sacudir a la gente”, dice de su objetivo.

Mal podría ser pesimista, lo reconoce, si sus logros son muchos: fue formador de varias generaciones en escena cruceña y fue protagonista de dos centros blueseros como Clapton y Janis.


Francisco Amate


Este dibujo es por Hernando Villa, un descendiente californianos cuya propia familia también fue presentada en el proyecto de grabación de Charles Lummis ‘. Aunque Hernando fue él mismo un músico y cantante, no hay grabaciones Lummis de él.

Érase una vez, en una tierra no muy lejano, y un tiempo no hace mucho tiempo, una población dispersa de los pioneros colonos mestizos, soldados y ex convictos – guiados en ocasiones por el consejo religioso de los padres franciscanos – el paraíso buscado. Sus hijos declararon a sí mismos “Hijos del País”, por lo tanto la celebración de una identidad propia positiva en la cara de todas las opiniones de afuera de lo contrario. Se procedió entonces a comportarse de una manera que ellos percibían como la representación de personas de la clase, con lo que se convierte en la aristocracia de otro modo ausente.

La tierra se llama la Alta California, el tiempo fue el apogeo de las misiones de California y los ranchos de la década de 1770 a través de los años 1860 (más o menos), y las personas llamaban a sí mismos californios.

Los viajeros a la zona quedaron impresionados constantemente por la música secular y los bailes sociales, comentando a menudo en la propensión de los californianos a bailar y cantar – y en particular en momentos en que gran parte de los observadores protestantes pensaban que no debía. Mi objetivo es explorar brevemente algunos aspectos de la preservación de este patrimonio musical de California – una tradición oral, en gran medida interpretada por músicos no profesionales con una formación de música poco o nada formal.

http://www.amigosdeloscalifornios.org/contact.html

Aunque relacionada tanto, esta música de California no es por lo general de México y no es el español. En su lugar, refleja el aislamiento tanto de la corriente española y mexicana de los colonos que jugaron, y su propia identidad como sociedad independiente. Algunas de las piezas llegó a California con colonos procedentes de México, trayendo con ellos su patrimonio ya diverso de las raíces españolas, indígenas mexicanos y africanos. Y no podría ser la primera generación de vez en cuando pura raza español que sabía de las últimas piezas de óperas italianas o de zarzuelas populares. Algunas de las piezas procedían de otros asentamientos americanos del suroeste hispanos y nativos, tales como las de Nuevo México, a través de las rutas comerciales indirectas y el matrimonio. Otras piezas fueron escritas aquí, algunos venían de la tradición de los músicos locales de nativos americanos, y algunos llegaron con el comercio de los barcos que pasan.

Con la llegada de la etapa americana y la inmigración repentina de grandes cantidades de personas de otros lugares – especialmente en el norte de California – la cultura y el patrimonio de la californiana comenzó perdiendo en la nueva cultura dominante, y que enlazará con la creciente comunidad de inmigrantes mexicanos. A pesar de sus protestas de que eran “hijos del País” – alguienes, las manifestaciones culturales de la cultura californiana se devaluó y se ignoran en gran medida, excepto en las comunidades más grandes de México y Latino.

Luego vino la necesidad de que la nueva californianos estadounidense para crear por sí mismos una identidad propia – el equivalente a la nueva declaración de ellos mismos “Hijos del País” – para crear un “aquí” en California. Esto en una sociedad que consideraba que el racismo naturales, y que aún estaba recordando el Alamo. En un clima que no es sorprendente que un movimiento para el valor de la historia de California y el patrimonio de ambos y de los indios californios tomó un romántico “fantasía patrimonio” a su vez – describir las cosas que se valoran como “español” en lugar de México o la India, y la creación de imágenes de un pasado idílico, donde todo el mundo vivía una vida de comodidad y padres franciscanos eran santos. De hecho, es más sorprendente que las culturas en español y el indio llegó a ser reconocido y valorado en absoluto.

Es fácil criticar esta refundición romántica de la historia de California. Pero es debido a esta idealización del pasado que todavía tenemos hoy en día bastante de los restos de esta música es capaz de recrear y preservarla. Y es debido a que la imagen romántica de que las personas que llevaron a esos finos hilos de la memoria con ellos en el siglo XX fueron capaces de lograr el suficiente respeto para los temas que se conservan. Resurgimiento continuo de estas recuperaciones románticas de vez en cuando fueron capaces de preservar los vínculos directos de este pasado histórico a través de la década de 1950, de tal manera que aquellos de nosotros que vino por detrás todavía son capaces de aprovechar esos recursos.

Tome un rápido desvío en la discusión en este momento para explorar algunos recursos históricos para la música social en español del siglo 19 el sur de California.

Algunos de los esfuerzos de conservación más influyentes fueron las de uno de los promulgadores más activos de este mito romántico – Charles Fletcher Lummis, un californiano que llegó a ser trasplantado a un campeón del suroeste y sus culturas nativas americanas e hispanas. Al ver el valor de los patrimonios únicos que se encuentran en el suroeste, él intentó conseguir un reconocimiento más general de América de ese valor. Escribió extensamente sobre el suroeste y México y, para hacerlo accesible a este público, la describió elogiosamente y románticamente en términos que fueron calculados para tratar de evitar los estereotipos racistas que habían impedido que los estadounidenses en ese momento en la historia de la apreciación de estas culturas.

Y para pensar que la preservación del siglo XIX la herencia hispana de California se compone enteramente de escuchar las grabaciones Lummis, me gustaría destacar brevemente algunos de los temas de otros sobrevivientes. Por ejemplo, Lummis no escribió la música de la danza mexicana y californiana en California, a pesar de que se enteró de algunas de las danzas, y algunos de los informantes que sabían las canciones grabadas. Estos informantes se unió a otros descendientes, como Antonio Coronel, en los esfuerzos por mantener vivos sus danzas. Para mayor ilustración de este punto, echa un vistazo a estos programas de la Fiestas Casa de Adobe .

María Abundis, Alfaro, Rogelio foto en Padua Hills Teatro en Claremont California. En el fondo: José Guadalupe García Rubio y Celia. De la colección de Fages. Ahora en Los californios Collection ®

Este hilo a su vez fue recogido por los jugadores mexicanos y el Teatro Padua Hills – junto con la Orquesta de acompañamiento Hills Padua. Los jugadores de la Comunidad de Claremont fue fundada en 1928, y en 1932 desarrolló el programa en español que mantenga la danza mexicana y californiana, el canto, el teatro y las tradiciones de otras dos generaciones. Realización de programas en español para una gran parte de habla Inglés audiencia, a la vez que habló con orgullo de la identidad cultural de las generaciones de latinos en California. Encontrar más información sobre los jugadores mexicanos en nuestro sitio Web Padua Hills Theatre.

José Arias y sus trovadores eran un grupo basado en la familia de músicos mexicanos en el área de Los Ángeles. Aunque José Arias no llegó a California hasta cerca de 1910, que conecta con algunas de las mismas personas que habían grabado Lummis. Su hijo y su nieto, también llamado tanto a Arias, José, todavía recuerdan las visitas de humor y de entretenimiento con los informantes, y la banda sigue realizando piezas extraídas de los informantes en el certamen de Ramona en Hemet.

Los bailarines de California Ruiz en 1931 en Avila Adobe en Los Angeles: Chonita De Soto, Gabriel Ruiz, José Soto y Sepúlveda Matilda. Los californios Collection ®

Los bailarines de California Ruiz en 1931 en Avila Adobe en Los Angeles: Chonita De Soto, Gabriel Ruiz, José Soto y Sepúlveda Matilda.
Los californianos Collection ®

Otro eslabón de la cadena era descendiente californianos Gabriel Eulogio Ruiz. En la misma A la California Club de fiestas, donde Villa Luisa estaba llevando a cabo, lo que representa una generación anterior, el joven Gabriel Ruiz y su grupo de danza, bailarines Ruiz de California, formada en 1925), fueron la realización de bailes y música de Californio, el aprendizaje a partir de la generación anterior y asegurar su supervivencia. En sus últimos años, Gabriel Ruiz emprendió un proyecto con California Alegre para documentar y preservar el siglo XIX la música en español de California, especialmente piezas de su familia, grabando un LP llamado Danzas de la Alta California.

Muchas personas que hoy conocen los bailes del siglo 19 de Californio y música de baile se puede dar crédito píldora Al, quien dedicó gran parte de su vida a mantener la danza tradicional mexicana y californiana vivo. Al final de su vida, él era muy consciente de la necesidad de asegurarse de que éstos no murió con él, llegar a los más jóvenes las personas capaces de llevar a cabo las tradiciones.

Otra fuente para la preservación de esta música está en las tradiciones de la población nativa de América del sur de California, en particular los descendientes de la población con misiones. La banda Juaneño de indios de la misión, Acjachemen Nación, en particular, ha conservado las grabaciones de la música de su patrimonio, incluyendo el desempeño de la música en español basado en los instrumentos europeos. Este recurso sin explotar es el área próxima gran estudio para las personas que la preservación de este patrimonio histórico de California.

Me gustaría terminar con una advertencia. El enlace de sobrevivir con la herencia musical de la California mexicana es frágil. Hoy en día muchos californianos de origen mexicano, californianos o nativos de ascendencia de California recuerdan a sus padres, o más a menudo los abuelos, cantando o bailando a la música en español del siglo decimonono secular de la California mexicana. Sin embargo, pocos de ellos en realidad nunca lo supo. De hecho, creció pensando que era de alguna manera vergonzosa a conocer estas canciones y bailes. Este patrimonio es ahora totalmente una tradición renacimiento y una búsqueda académica, con una relación directa continua, aunque frágil, a menudo a las fuentes originales a través de un puñado de investigadores.

Es importante no debilitar aún más este vínculo. El hecho de que la música y su rendimiento es colorido y hace un llamamiento a los turistas, sólo porque los proveedores de la “herencia fantasiosa” ayudó a preservarla por más de cien años, no quiere decir que debe ser desestimada por no ser digno de atención. Si perdemos este patrimonio, perdemos parte de la identidad propia de una gran parte de nuestra población en el futuro, así como un pedazo de lo que todos somos como los californianos.
Vykki Mende Gray y Benjamin Curtis Fotografía Histórica de Los californios Collection ®
¿Dónde encontrar esta música

Libros de música y un CD grabado de esta música , las flores de nuestro romance perdido, están disponibles desde Los californianos ®.
Sobre el autor

Vykki Mende Gray es la cuarta generación de San Diegan, su familia después de haber venido aquí en 1894. Uno de sus proyectos anteriores para documentar la música tradicional de California estaba escribiendo libro Kenny Hall Music, publicado por Mel Bay Publications – una colección de California de los viejos tiempos la música y recuerdos de Kenny Hall, violinista reconocido, mandolina, y California viven tesoro.

Vykki es el director artístico de Los californianos ®, un proyecto de amigos de San Diego de los viejos tiempos la música. Esta agrupación musical interpreta las canciones profanas y música de baile del siglo XIX (y, ocasionalmente, del siglo XVIII) español y de California en México. Vykki investiga, transcribe, y se encarga de piezas de material original para el repertorio de este grupo. Vykki es la incorporación de este trabajo en su próximo libro, que saldrá a la música de la California mexicana. Estos esfuerzos han resultado en el interés por el género, en ambos lados de la frontera México / California.

ARTICULO / PRIMERA PARTE……..



Tommy Jhonson.-De nuestro buen amigo Jesus :http://elbluesylapalabra.blogspot.com/2011/10/canned-heat-blues-del-alcohol-y-de-la.html
Echo de menos el alcohol. Sí, sigo bebiendo; no al mismo ritmo, a uno mayor -a veces, las que menos, menor-, y por eso echo de menos el alcohol. Una cosa no tiene que ver con la otra; no es cuestión de la calidad o la cantidad, sino de los efectos, del EFECTO. Puedo soportarlo, pero ya no me quema tanto; o lo hace más, pero lo noto menos. No va a más y, sin embargo, me matará. Es más, ya me ha matado.

Crying, canned heat, mama, crying, sure, Lord, killing me.
Crying, canned heat, mama, sure, Lord, killing me.
Takes alcorub to take these canned heat blues.
Lloro, el calor enlatado, mamá, lloro, ten por seguro, Dios, que me está matando.
Lloro, el calor enlatado, mamá, ten por seguro, Dios, que me está matando.
Hace alcohol de friegas para soportar esta tristeza del calor enlatado.

Crying, mama, mama, mama, you know, canned heat is killing me.
Crying, mama, mama, mama, crying, canned heat is killing me.
Canned heat don’t kill me, crying, babe, I’ll never die.
Lloro, mamá, mamá, mamá, ¿sabes? El fuego enlatado me está matando.
Lloro, mamá, mamá, mamá, lloro, el fuego enlatado me está matando.
Si el fuego enlatado no me mata, lloro, nena, no moriré nunca.

I woked up, up this morning, with canned heat on my mind.
Woke up this morning, canned heat on my mind.
Woke up this morning, with canned heat, Lord, on my mind.
Me he despertado esta mañana con el dolor enlatado en mi cabeza.
Me he levantado esta mañana, el dolor enlatado en mi cabeza.
Me levanté esta mañana con el fuego enlatado, Dios, en mi cabeza.

Crying, Lord, Lord, I wonder, canned heat, Lord, killing me.
Jake alcohol’s [ruined me churning] ‘bout my soul,
because brownskin women don’t do the easy roll.
Lloro, Dios, Dios, me pregunto si el fuego enlatado, Dios, me matará.
El alcohol de Jack [me arruinó, me quemo el estómago] por dentro de mí,
porque las mujeres de piel morena no son de sexo fácil.

I woke up, up this morning, crying, canned heat ‘round my bed.
Run here, somebody, take these canned heat blues.
Run here, somebody, and take these canned heat blues.
Me he despertado esta mañana, lloro, el fuego enlatado alrededor de mi cama.
Que alguien venga corriendo y se lleve esta tristeza de fuego enlatado.
Que alguien venga corriendo y se lleve esta tristeza de fuego enlatado.

Crying mama, mama, mama, crying, canned heat killing me.
B’lieve to my soul, Lord, it gonna kill me dead.
Lloro, mamá, mamá, mamá, lloro, el fuego enlatado me está matando.
Créeme, Dios, me va a matar de verdad.

Y no lo mató. Al menos de manera inmediata, pues Tommy Johnson murió a los 60 años, pero sí lo acompañó toda su vida. Licor, sí; pero también cerveza, moonshine (alcohol destilado ilegalmente), canned heat (Sterno, alcohol para cocinar, sobre todo fondues, y que se quema directamente en la lata); incluso abrillantador de zapatos, alcohol de friegas y cualquier otra cosa que le quemara por dentro.

Fue una de las constantes de su vida. Las otras dos: las mujeres (casi siempre mayores que él, o al menos, así la que lo sacó del pueblucho de Drew a los dieciséis) y la guitarra. Una vida de vagabundeo, con punto de retorno siempre en Crystal Spring (Mississippi) y centro preferente en Jackson, pero siempre de un lado a otro, sólo les quedaba la parte superior del zapato cuando volvían a Crystal Spring.
Su principal influencia, Charlie Patton. Los dos se repartieron la fama de la zona del Mississipi. Los dos en la palestra por ver si fue primero el Pony Blues de Patton o el Bye Bye Blues de Johnson. Casi un mismo sentido del espectáculo, pero una carrera mucho peor la de Johnson: apenas catorce temas grabados, pero entre ellos un buen puñado de los más grandes clásicos.
Entre ellos, este Canned Heat Blues, salido de su segunda sesión para el sello Victor (finales de agosto de 1928), donde su falsete y, sobre todo, su vibrato no podían ilustrar mejor la agonía de un alcohólico. A ellos le sumamos su ceceo y tartamudeo (lo primero se nota; lo segundo, apenas). Una canción de dramatismo real como pocas, con un final de guitarra a ritmo de estertor, de agonía previsible aunque no esperada. Merece la pena escucharla con la atención in crescendo, inmersos en su respiración, que desaparece poco a poco. Por eso me pareció ilustrativa -además de hermosísima- esta versión instrumental de Jay Bee Rodríguez-, acompañada de unas imágenes realmente fascinantes.

Tommy Johnson, el descubrimiento, según sus propias palabras, más acertado de H.C. Speir, junto a Charlie Patton. Le hizo una prueba con sólo dos canciones y grabó unas cuantas más. No sedujo a Paramount como sucesor de Blind Lemon Jefferson y los -pocos-temas que grabó para ellos apenas se vendieron. El alcohol y la guitarra le dieron fuelle para veinticinco años más, pero su fama no está a la altura de su talento. A pesar de este Canned Heat Blues y de la banda que lo puso en la carretera de nuevo en el 65. Pero ésa es otra historia, y será contada en otra ocasión (dentro de una semana)…

Y sí, qué coño, tomémonos una copa por Tommy Johnson.

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Las referencias al alcohol son más que habituales en las canciones de rap, rythm and blues y hip hop, y casi siempre están relacionadas con un estilo de vida lujoso, relaciones sexuales vejatorias, riqueza, fiestas, violencia y consumo de drogas. Según un estudio de la Universidad de Pittsburgh, publicado por la revista ‘Addiction’, en el 25% de esas letras se menciona el nombre de alguna marca de alcohol. Los autores advierten de la fuerte influencia que eso puede suponer en el público adolescente, el mayor consumidor de este tipo de música.
Los investigadores han calculado que, en cada hora de rap, rythm and blues y hip hop publicada entre 2005 y 2007, se hace referencia a una media de 3,4 marcas de bebidas. Aseguran que esas exposiciones tan prolongadas -los adolescentes estadounidenses oyen, aproximadamente, música durante 150 minutos al día- pueden suponer una forma de publicidad subliminal y contribuyen a provocar una temprana iniciación en la ingesta de alcohol. Según los autores del estudio, demuestra esto el hecho de que las marcas más mencionadas en las canciones (Patron Tequila, Vodka Grey Goose y Cognac Hennessy) son las favoritas de los bebedores menores de edad.

El grupo de investigación de la Universidad de Pittsburgh indica que la mayoría de las referencias de marcas en la música parecen solicitadas, aunque no pagadas directamente por las empresas de publicidad. Pero la línea que separa la publicidad pagada de la simple referencia a ciertas marcas es cada vez más estrecha y las empresas de bebidas alcohólicas han comenzado a recompensar a los artistas de forma retroactiva.

Cuando los raperos Busta Rhymes y Puff Daddy publicaron la canción ‘Pass the Courvoisier’, en 2002, la venta de los coñacs Courvoisier aumentó un 18,9%. Posteriormente, esta famosa firma francesa llegó a un acuerdo para promocionar el sello discográfico Violator, al que pertenecen ambos artistas. Esta no es la única vez que las empresas se entrometen en el mercado de la música. En 1995, Seagram (la empresa la ginebra de ese nombre y los rones Cacique) participó en la gestión de Universal Studios, Polygram y Deutsche Grammophon. Incluso algunos cantantes se han dedicado a promover sus propias marcas como Jay-Z (vodka Armadale), Snoop Dogg (coñac Landy) y Puff Daddy (vodka Ciroc).

FIGURAS DEL BLUES QUE HAN TENIDO PROBLEMILLAS CON EL ALCOHOL…….

Robert Johnson. Fue cantante, compositor y guitarrista estadounidense de blues, el cual fue conocido como “El Rey del Delta blues”. Su muerte es un tanto extraña, pero está relacionada con el consumo de alcohol. Se cuenta que fue envenenado con whisky por un marido celoso, dueño de un bar en el que Johnson actuaba.

Tommy Johnson vivió siempre entre Crystal Springs y la capital del estado, Jackson, totalmente dedicado a la música, al alcohol y a las mujeres. En 1928, grabó en Memphis sus primeros temas, acompañado de Charlie McCoy, que tuvieron un enorme éxito popular y de ventas, lo que le convirtió en una estrella. En 1930 fue a Chicago, pero su estrella se apagó, al pasarse más tiempo en prisión, por embriaguez en la vía pública, que tocando.1 Volvió a Misisipi, donde llevó una vida mísera, consecuencia de su alcoholismo y su afición al juego, en el que perdió sus abundantes ganancias de los años anteriores. Siguió tocando hasta su muerte, por intoxicación etílica, en 1956.

Dentro del mundo del espectáculo son muchos los famosos que mueren a causa del alcoholismo
, el último caso registrado es el de la cantante británica
Amy Winehouse. Durante todo este tiempo, se especuló que si había fallecido de una sobredosis, de un paro cardiaco o de alguna intoxicación con pastillas; pero la realidad es que la cantante británica perdió la vida debido al consumo excesivo de alcohol.De acuerdo a lo publicado por el sitio de la BBC, Amy Winehouse tenía más de cuatro veces el límite de alcohol permitido para conducir en el momento de su muerte, en julio pasado, según una investigación especial sobre las circunstancias de su muerte.Cabe señalar que al momento de registrar la casa en donde murió la cantante, la policía encontró dos botellas de vodka vacías, lo que hace suponer que ambas fueron ingeridas por Winehouse.En la audiencia judicial, la doctora de Winehouse dijo que la cantante volvió a tomar en los días previos a su muerte, después de un largo período de abstinencia

Jim Morrison. Conocido también como “el rey lagarto”, fue el vocalista de la exitosa banda The Doors, su paso por la escena del rock fue relativamente corto, pues a la edad de 27 años, fue encontrado muerto en una bañera. Su deceso se debió a un paro cardiaco generado por ingerir demasiado alcohol

John Bonham. Fue el baterista de Led Zeppelín. Es considerado uno de los mejores percusionistas de todos los tiempos. Murió en 1980, luego de ingerir 40 medidas de vodka con naranja en una fiesta.

Jimi Hendrix. En la década de los 60 este músico afroaméricano cambio la historia del rock, pues es considerado por muchos, como el mejor guitarrista que ha existido. Sin embargo, Hendrix murió a la edad de 27 años, debido a una mezcla de somníferos y alcohol.

Bon Scott. Fue un cantante de rock, letrista, gaitero y baterista, conocido por haber sido el vocalista de la banda AC/DC desde 1974 y hasta el momento de su muerte; la cual fue causada por una “intoxicación etílica”.

Janis Joplin. Fue una cantante estadounidense de rock and roll y blues, que se hizo famosa por su voz y su espíritu rebelde. Joplin fue un símbolo femenino de la contracultura de la década de los 60, del movimiento Hippie y la primera mujer en ser considerada una gran estrella del Rock.
Su muerte se produjo el 3 de octubre de 1970, la causa oficial de su muerte fue una sobredosis de heroína, pero se asegura que también estaba bajo los efectos del alcohol.

GARY MOORE:El guitarrista ha fallecio en un hotel de Estepona (Málaga) el domingo 6 de febrero de 2011. Tenía 58 años.
Moore nació en Belfast (Irlanda del Norte) y formó en Thin Lizzy junto a Phil Lynott.Según el diario The Sun, se ahogó en su propio vómito después de haber bebido grandes cantidades de coñac y champán. Fue encontrado inconsciente en su habitación del hotel por su novia a las 4 h. a.m. del domingo.
El hotel de lujo en el que se hospedaba cobra casi 4.000 euros por noche. Un trabajador que vio la habitación ha declarado que había muchas botellas en ella.


Texto y fotos Arturo Olvera Hernández

Luego de que el año anterior recibiera un justo homenaje en la Universidad Pedagógica Nacional (UPN), el maestro José Cruz Camargo, recibirá un nuevo reconocimiento en la Facultad de Estudios Superiores (FES) Acatlán, por su trayectoria en la escena blusera nacional.

El 21 del presente, a las 12:00 horas en el Teatro Javier Barros Sierra, de Acatlán, se inaugurará dicho reconocimiento con la exposición fotográfica Momentos de blues, de Arturo Olvera Hernández, con 38 fotografías de grupos, solistas y gente de blues, entre las cuales no podían faltar imágenes del homenajeado. Además de un documental en torno a los 25 años del programa radiofónico El blues inmortal, de Mario Compañet, documental realizado por Rodolfo Cruz.

A las 13:00 horas se proyectará la cinta Feel like going home, de Martin Scorsese. Y a las 18:00 dará inicio el concierto con los grupos North side train y Ware house.

Al siguiente día, a las 13:00 horas se proyectará la cinta Crossroads, de Walter Hill, inspirada en la vida del legendario bluesman Robert Johnson. Y a las 18:00 horas se llevará a cabo el toquín con los grupos Blues Mother y Smokey fields.

El miércoles 23, a las 13:00 horas se hará entrega del reconocimiento al maestro José Cruz, con la participación musical de los grupos Burning harp y Blues demon. La clausura será ese día a las 18:00 horas, con la presentación del grupo Follaje, uno de los de mayor tradición en la escena blusera del país.

José Cruz ha sido a los largo de tres décadas uno de los armonisistas, letristas y promotores más entusiastas del blues en México. Fue de los fundadores de Real de catorce, grupo fundamental del género en la escena nacional. Desafortunadamente un mal crónico ha minado su salud y su actividad musical se ha mermado considerablemente, pero su entereza lo mantiene firme y con ánimo de continuar luchando por su vida y su sitio en el blues, elemento irremplazable en su vida.


JOSÉ CRUZ / Breve resumen biográfico.

José Cruz Camargo Zurita nació el 2 de noviembre de 1955 en la Ciudad de México. A los 10 años era un estudioso de los poetas españoles del “Siglo de oro”, a esa edad descubrió la sonoridad de la guitarra, sólo faltaba unir su lírica a las melodías para componer canciones. Inició como solista tocando en las peñas, su intención de hacer blues en español en ese tiempo no era comprendida. También desde muy joven se especializó en la ejecución de la armónica, llegando al virtuosismo. Su primera composición, un blues en tonos menores, se llamó “Mesticia”. Antes de los años ochentas, viajó a Austin, Texas donde acompañó al bluesista Mr “O”, tocando la armónica, ésa experiencia marcó su camino y reforzó su convicción de hacer blues. Al iniciar la década de los ochentas, el Foro Tlalpan de la Ciudad de México se convirtió en todo un semillero de la producción musical independiente. Ahí coincidieron, entre muchos otros, Jaime López, Jorge Cox Gaitán, Emilia Almazán, Roberto González, Belem Macari, Jorge el “Coco Bueno” y caricaturistas como Ahumada y el Fisgón. Posteriormente, formó parte de Banco del Ruido (con Carlos Tovar y Armando Montiel) y llevó la dirección musical del frupo que acompañaba a Betsy Pecanins. A fines de 1985 fundó Real de Catorce.

Desde entonces, es el compositor, cantante, armonicista, guitarrista y especialista en el dobro (resonador) de la banda. En la vertiente poética de sus composiciones asimiló la experiencia de un taller literario dirigido por el maestro Juan Bañuelos. De José Cruz, de fuerza espiritual, surge la visión y la persistencia que proyecta en Real de Catorce.

Sus canciones reivindican el lenguaje que nos da identidad, su estilo poético es único. La obra del compositor abre la posibilidad de entender el blues como un género universal. José Cruz creó blues en español cuando se pensaba que sólo era posible hacerlo en inglés porque el blues es el resultado histórico de la fusión de distintas músicas por lo tanto, no existe el llamado “blues puro”.

Desarrolló un estilo no comparable con otros en el manejo de letra y música, sobre la base de lo creado por los maestros, pero distinguiéndose de ellos con su propia personalidad.

La visión del mundo que proyectan sus canciones nace del contexto de la cultura mexicana, de ahí su valiosa aportación al mundo. Gracias a su obra y trabajo puede ser ubicado como una de las más grandes aportaciones al blues contemporáneo.

Después de un doloroso tránsito que inició en el año 2000, en el 2005 le fue diagnosticada “Esclerosis Múltiple”, una enfermedad crónica, costosa y que no tiene cura. Esta enfermedad produce fatiga, depresión, crisis imprevistas y discapacidad.

A quienes nos ha salvado de nuestra locura e incluso del suicido y muchos otros males; a quienes nos ha guiado con su creatividad y espiritualidad por nuevos caminos; a quienes su música ha sido una razón para continuar en este mundo, expresamos nuestra solidaridad y apoyo. Y es ahora cuando tenemos la posibilidad de devolver con todo nuestro cariño, de la misma manera en que nos fue dado, un poco de los que recibimos.

Hoy da muestra de fortaleza a su público, presentándose en varios homenajes a su persona y a su obra. Con un repertorio de nuevas canciones, el compositor, a pesar de padecer una enfermedad discapacitante e incurable tiene futuros proyectos: Grabar un disco, editar un nuevo libro de poesía y publicar su biografía.

Hay José Cruz para rato.