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Monthly Archives: diciembre 2011

Extracto del articulo de Juan Avila………………..CHARLIE PATTON ………era mexicano?


(foto inferior ) Son House imitando a Charlie Patton…

De cualquier forma el blues y la cancion norteña Mexicana en especial la de la revolución Méxicana tienen muchos puntos en común; son de raíz campirana,le cantan a la libertad, al amor,surgen de un pueblo oprimido,generalmente triste pero tambien ocasionalmente alegre,en principio no tienen un gran despliegue técnico pero si mucho sentimiento, utilizan escalas musicales y tempo similares .patrones de llamada y respuesta, tanto en la música como en las letras.uso de instrumentos de cuerda como la guitarra,el violin y el banjo. líneas cantadas siguiendo un patrón más cercano a una conversación rítmica que a una melodía.toman la forma de una narración la cual se transmite mediante la voz del cantante; sus penas personales en un mundo de cruda realidad, un amor perdido ó imposible, la crueldad de la gente en el poder, la opresión de los blancos , de los patrones o dueños de la tierra y los tiempos difíciles, de hambre y frio.

Entre BB KING y CUCO SÁNCHEZ hay muchas similitudes; son canta-autores campiranos,surgidos del pueblo y le cantan a lo mismo; a la libertad , al amor, etc; con el mismo sentimiento. utilizando el mismo lenguaje; el del pueblo,claro,sencillo y cotidiano mas que poético.

Existe , así mismo, un debate acerca de cual era el origen de Charlie Patton: a pesar de que era afroamericano, como todos los artistas de blues de aquel periodo, debido a su complexión delgada y otras caracteristicas, se ha rumoreado que podría haber sido, entre otras teorías, Mexicano o cheroqui.(Wikipedia).

La mezcla de la cultura y puntualmente de la música del sur de USA ; California,Arizona,Nuevo Mexico y especialmente de Texas y la cultura y la música del norte de México es historica ,documentada, inevitable,obligada y de mucha tradición.

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Articulo recuperado por su especial interes :miércoles 4 de agosto de 2010 / Fuente:http://omniblues-omniblues.blogspot.com/2010/08/el-verdadero-azteca-blues-fusion.html

De los años 40’s a los 70’s ,en Mèxico; Este grupo se destacó por su singular estilo para hacer música, En su estilo lo menos que había era seriedad, no queriendo decir con esto que el grupo no tocara bien, al contrario ellos también se distinguen por ser unos excelentes músicos en cualquiera de los estilos que fuera ya que a petición de la gente igual tocaban un Blues,un Boogie Woogie,Jazz,Rock, que un Twist que un Danzon o lo que fuera que la gente les pidiera, pero además cada uno de ellos destacaba en su instrumento sin dejar de lado la picardía y alegría que tenían a la hora de tocar.

Basta mencionar algunas de sus aportaciones, tanto en la música como en otras áreas, para situar el asunto en clara perspectiva; porque ellos fueron:

—De los primeros que fusionaron el rock and roll con otros géneros populares.—Los adalides que se olvidaron del copete y se peinaron hacia abajo.—Pioneros en la inclusión de trompeta y otros instrumentos ajenos al rock.—Anticipados al uso de indumentarias estrafalarias sobre el escenario.—Críticos mordaces de la sociedad, en una atmósfera de parodia y exotismo.—Los que definieron roles y arquetipos que hoy están clonados en miles de personas.

Su concepto puede definirse con una sola palabra: Fusión. Los Xochimilcas crearon su música con la más singular dotación instrumental: Bajo, batería, acordeón y trompeta. Esta combinación de instrumentos, utilizada con habilidad e ingenio, hizo posible que el grupo interpretara los géneros más diversos en un incontenible hervidero rítmico. En sus actuaciones, el público podía elegir entre bailar o dedicarse a gozar escuchando las divertidas letras de las canciones.

la combinación de los cuatro instrumentos , reveló tener una versatilidad fuera de serie. Con el acordeón sonaban perfecto la cumbia, el chachachá, el merengue y todo lo tropical. La trompeta daba vida a los danzones y a las rancheras. Con la batería entraba el rock and roll, el jazz, el boogie boogie, y el bajo acentuaba el blues y swings. Es difícil imaginar que en aquellos años sesentas pudiera haber existido otro grupo tan rico en posibilidades. Tal vez se podría pensar musicalmente en Mike Laure y sus Cometas, pero Laure no tenía la presencia escénica ni la comicidad de Los Xochimilcas .

Toman su nombre de Xochimilco; Los orígenes de Xochimilco se remontan a la época prehispánica. Desde el Período Preclásico mesoamericano sus riberas e islas fueron el hogar de diversos pueblos de filiación desconocida (Xochimilcas), Al inicio del Posclásico , Xochimilco era un importante altépetl que fue sometido por los mexicas en el siglo XV . Durante la Colonia y los primeros años de la vida independiente de México, el territorio de Xochimilco se convirtió en proveedor de alimentos para la Ciudad de México.

fuente;jovenes mayores de 40 , frantica mùsica,jaime almeida y wikipedia.

LOS LOBOS;

Una fusión de BLUES ,rock, tex-mex , country, folk, bolero y R&B con música tradicional de México y Latinoamérica, así es la música de Los Lobos.
Esta banda de chicanos ha desarrollado uno de los estilos más distintivos y originales de los últimos 30 años.

Desde sus modestos inicios en los barrios pobres del Este de Los Ángeles hasta los grandes escenarios internacionales, Los Lobos han destilado sus vidas en canciones.

Los Lobos fue uno de los grupos más distintivos y originales de los años 80. Podrán haber tenido un gran éxito con “La Bamba” en el 87, sin embargo ese cover no hace honor a sus talentos.
Los Lobos son eclécticos en el mejor sentido de la palabra: mientras extraen elementos equitativamente de múltiples géneros, su trabajo nunca suena forzado o hechizo.

En lugar de eso, todas sus influencias son transformadas en un gran sonido, refinado y un tanto áspero.
Desde sus primeras grabaciones, su rica musicalidad era evidente.

En prácticamente cada disco subsiguiente, han encontrado maneras de refinar y expandir su sonido, sin jamás desviarse de las tradiciones musicales que forman el corazón y alma del grupo.
Ver a Los Lobos en concierto es mucho más que ver a un grupo de músicos interpretar sus canciones. El espectador atestigua en cada uno de sus espectáculos el maridaje sociocultural entre México y Estados Unidos representado por estos cinco músicos, cuatro de ellos méxico-estadounidenses.

Ellos funden,como ya se mencionò, con maestría la polka norteña con el BLUES , el rock con la cumbia y el country con los sones veracruzanos en canciones como Chuco´s cumbia, su versión de La Bamba, su relectura en blues de Volver, volver, Don´t worry baby y Evangeline, entre una larga lista de canciones que funden todas sus influencias de manera vibrante.

Los Lobos, como grupo, nacieron en la década de los 70 en el populoso barrio mexicano del este de Los Ángeles. Concretamente en la intersección de las calles Hammel y Brannick y muy cerca de centros neurálgicos de la cultura mexicana de aquella ciudad como la Guadalupe Elementary School, el Obregón Park y la César Chávez Ave., dedicada al líder de los campesinos agrícolas.

Al grupo lo conforman son el cantante y guitarrista César Rosas, el multiinstrumentista David Hidalgo, Louie Pérez en la batería, Conrad Lozano en el bajo y Steve Berlin en saxofón, flautas y teclados. Ellos son un referente indiscutible de la música de fusión de Estados Unidos de las últimas tres décadas merced a discos fundamentales como How Will the Wolf Survive (1984), La pistola y el corazón (1988), Kiko (1992), The Neighborhood (1990), Good Morning Aztlán (2002), de un total de 16 discos.

Los Lobos, después de 30 años de trabajo, son un referente indiscutible de la cultura contemporánea del sur de Estados Unidos y el norte de México. Su influencia alcanza a bandas y grupos culturales de todo el mundo y su forma de bordar su música también es un faro que guía a muchos creadores de otras disciplinas, incluso artistas de las artes plásticas.

fuente uaem Y david dorantes:

OMNIBLUES;

Omniblues cd “blues de la sierra”.

CANCIONES;

1.- EL BLUES DEL FERROCARRIL * Samuel M. Lozano 5:20 2.- EL REVOLUCIONARIO ** Cuco Sánchez 4:59 3.- EL REY **** José Alfredo Jiménez 4:17 4.- EL BORRACHO * José Alfredo Jiménez 5:04 5.- EL ERMITAÑO * Juan Avila 4:31 6.- EL AUSENTE *** Consuelito Castro 4:43 7.- EL CACHANILLA * Antonio Valdez Herrera 4:53 8.- MIENTEME * Armando “Chamaco” Domínguez 3:25 9.- SE ME OLVIDO OTRA VEZ ** Juan Gabriel 4:09 10.- ABRAZANDOME A LA VIDA **Juan Avila 3:57

ESTILO;TEX-MEX BLUES!!

presenta elementos latinos como: las congas,tumbas,maracas,”lavadero”, etc; ritmos como la redoba norteña en el caso del rey, instrumentos muy identificados con el sonido de la revolución mexicana y con el blues como la armonica y elementos texanos ó de Mississippi como el slide. amen de usar guitarra electroacustica y electrica y por supuesto el sonido clasico del blues.

como surge este sonido tex-mex blues?

Durante la esclavitud y una vez que se abolió la misma,en estados unidos a mitad del siglo 19, (En los Estados Unidos, Abraham Lincoln, elegido nuevo presidente en 1860, decretó la abolición de la esclavitud en toda la Unión una vez acabada la Guerra Civil, en 1865. ) ,gente de color del sur de USA y especialmente de texas, empezó a emigrar hacia el norte (Chicago por ejemplo) , buscando condiciones menos opresivas y menos racistas y algunos otros realmente huyendo, quiza de la justicia emigraron a México ,al norte de México. es entonces que se da una mezcla de ese blues que traian los esclavos emancipados de texas y sus descendientes y la música del norte de México, puntualmente la de la Revolución Mexicana.

Como ejemplo de lo anterior estan los negros Mascogos;

En 1843 se presentó en Saltillo, Coahuila, un grupo de seminoles “procedentes de las márgenes del río Sabina” (en territorio de Texas), para proponer al gobierno coahuilense la firma de un tratado de paz. Acompañaban a los seminoles individuos de varias tribus indias: cherokees, caddós, chickasaws, kikapúes y otras.

Menos de un año después, el 8 de enero de 1844, el Gobierno Federal aceptó las condiciones del tratado de paz y permitió que las tribus solicitantes se asentaran en territorio de Coahuila.
Después de una obligada permanencia en la reservación de Oklahoma, los negros mascogos o “indios seminoles”, como se les conoce en Estados Unidos, escaparon. Reunidos en consejo, los jefes seminoles y mascogos, entre los que se encontraban Gato del Monte, el Negro Abraham y un legendario mestizo indio y negro, John Horse (Juan Caballo), decidieron dirigirse a México. Se establecieron temporalmente en varios lugares, que no fueron de su agrado.

A la petición de establecerse en México hecha por los seminoles y los mascogos, el gobierno federal respondió dotándolos de tierras en lo que fue el rancho de El Nacimiento del latifundio de Jacobo Sánchez Navarro, expropiado por decreto presidencial el 2 de agosto de 1852. Cuando pasó por Coahuila (1865), el presidente Juárez les ratificó la posesión, que desde entonces fueron bautizadas como “Colonia Benito Juárez”.

(fuente;wikipedia).

De cualquier forma el blues y la cancion norteña Mexicana en especial la de la revolución Méxicana tienen muchos puntos en común; son de raíz campirana,le cantan a la libertad, al amor,surgen de un pueblo oprimido,generalmente triste pero tambien ocasionalmente alegre,en principio no tienen un gran despliegue técnico pero si mucho sentimiento, utilizan escalas musicales y tempo similares .patrones de llamada y respuesta, tanto en la música como en las letras.uso de instrumentos de cuerda como la guitarra,el violin y el banjo. líneas cantadas siguiendo un patrón más cercano a una conversación rítmica que a una melodía.toman la forma de una narración la cual se transmite mediante la voz del cantante; sus penas personales en un mundo de cruda realidad, un amor perdido ó imposible, la crueldad de la gente en el poder, la opresión de los blancos , de los patrones o dueños de la tierra y los tiempos difíciles, de hambre y frio.

Entre BB KING y CUCO SÁNCHEZ hay muchas similitudes; son canta-autores campiranos,surgidos del pueblo y le cantan a lo mismo; a la libertad , al amor, etc; con el mismo sentimiento. utilizando el mismo lenguaje; el del pueblo,claro,sencillo y cotidiano mas que poético.

Existe , así mismo, un debate acerca de cual era el origen de Charlie Patton: a pesar de que era afroamericano, como todos los artistas de blues de aquel periodo, debido a su complexión delgada y otras caracteristicas, se ha rumoreado que podría haber sido, entre otras teorías, Mexicano o cheroqui.(Wikipedia).

La mezcla de la cultura y puntualmente de la música del sur de USA ; California,Arizona,Nuevo Mexico y especialmente de Texas y la cultura y la música del norte de México es historica ,documentada, inevitable,obligada y de mucha tradición.

BETSY PECANINS;

Betsy Pecanins canta el son tradicional cargado de blues .

En su disco Sones, la cantante aborda este género tradicional con un toque original.
A fines del año pasado, Betsy Pecanins lanzó Sones (400 Lunas/JM Distribuidores, 2009), disco en el que incursiona en este género con un sentimiento de blues.

La cantante dice que el gusto por el son le viene desde hace muchos años y que en su disco Tequila azul y batuta (400 Lunas/ JM Distribuidores, 2003) “se colaron” dos sones. “Pero es que me enamoré de los sones y con el paso del tiempo siempre decía que quería hacer algo con esta música, así que solicité un apoyo al Fonca y me lo gané. Así puede realizar el proyecto Sones, disco al que no nos atrevimos a ponerle Sones y pasones, pero ahora sí lo usamos para los conciertos”.

En esta ocasión su guitarrista de cabecera Jorge García Montemayor fungió como productor, lo que facilitó mucho el trabajo. “También participó Rosino Serrano, que hizo un par de arreglos, e invité a Alejandro Cardona, un compositor de música de concierto que es un excelente guitarrista eléctrico de blues y ha tocado con Dwight Carroll. Tocó mi banda de siempre, que incluye a Jorge, Mónica del Águila en el chelo, Alfonso Rosas en el bajo y Héctor Aguilar en las percusiones”.
Sones incluye “La bruja”, uno de los más populares. “Es una canción tan cantada, tan grabada, tan tocada por muchísima gente que había que hacerle algo bastante extremo. La llevamos al terreno del blues y funcionó muy bien, con mucha naturalidad, como si siempre hubiera sido un blues, y le pusimos unos coros inspirados en Aretha Franklin”.

fuente Milenio.

omniblues/juan àvila.

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Aportacion de :http://estroncio90.typepad.com/blog/2010/01/los-xochimilcas-rock-swing-boogie-woogie-y-algo-mas.html

Los Xochimilcas

Rock, Swing, Boogie-woogie, y algo mas: Los Xochimilcas
Los Xochimilcas con disco de oro
Hace tiempo que me preguntaron por Los Xochimilcas….esto es lo que he encontrado.

Creo que es lo mas completo que he leído sobre ellos además de que lo escribió Jaime Almeida.

Los datos de los músicos son:

Francisco ‘Paco’ Gómez García (El Glostora) – Bajo,
Francisco Martín Armenta Tornero – Trompeta,
César Sosa (El Patiño) – Acordeón y
Antonio Caudillo – Batería.

Saludos y que lo disfruten. Atte: GZ

En el Origen Fueron Los Xochimilcas

Por Jaime Almeida

No cabe duda de que en los años 60 existieron personajes extraordinarios que, con sus propuestas visionarias, detonaron cambios culturales y anticiparon la llegada de lo que hoy es nuestro presente. Entre todas las artes, la música fue durante los sesenta el medio perfecto para comunicar ideas, emociones, frustraciones, anhelos, temores y vivencias a una juventud que comenzaba a ser reconocida como una fuerza social de tremendo vigor.

Los artistas de la música no sólo impactaron a través del sonido sino que también lo hicieron por medio de actitudes y cuestionamientos que pusieron a prueba los valores que, hasta ese momento, habían sido las reglas del juego social. Muchas ofertas musicales se pusieron a prueba. Algunas tuvieron efectos inmediatos, otras desaparecieron, y otras más necesitaron de la acción del tiempo para manifestar su valor y contundencia.
Los Xochimilcas
Hoy, a más de 40 años de distancia, es necesario destacar la aportación hecha por un cuarteto fuera de serie. Hay que revalorar la labor de un grupo que se adelantó a su momento y, como suele suceder en estos casos, padeció la crítica de quienes no fueron capaces de comprender la profundidad de su exuberante talento.

Pero el tiempo se ha encargado de poner las cosas en su lugar. Abundan evidencias fehacientes de que esos cuatro artistas legendarios son ahora el modelo que sigue una gran porción de nuestra población. Basta mencionar algunas de sus aportaciones, tanto en la música como en otras áreas, para situar el asunto en clara perspectiva; porque ellos fueron:

—De los primeros que fusionaron el rock and roll con otros géneros populares.

—Los adalides que se olvidaron del copete y se peinaron hacia abajo.

—Pioneros en la inclusión de trompeta y otros instrumentos ajenos al rock.

—Anticipados al uso de indumentarias estrafalarias sobre el escenario.

—Críticos mordaces de la sociedad, en una atmósfera de parodia y exotismo.

—Los que definieron roles y arquetipos que hoy están clonados en miles de personas.

Y por si esto fuera poco, hay que decir que este trascendental cuarteto musical no surgió en Europa. Fue mexicano. Su nombre: Los Xochimilcas.
Ella te ama, cover
Comprendo que para las generaciones más recientes el grupo de Los Xochimilcas es más que desconocido. Qué pena. Estos jóvenes andan por la vida creyendo que Los Beatles inventaron el peinado de trapeador, sin saber que el cuarteto mexicano ya lucía ese corte desde finales de los cincuenta, habiendo tenido como inspiración a los indios tepujas. Esos mismos chavos creen que la trompeta entró al rock con bandas como Chicago o Blood, Sweat and Tears sin tomar en cuenta canciones como “Rock Rollin’ Rock” o “Xochimilca’s Rock”, que el grupo mexicano grabó desde principios de los sesenta luciendo el metal como los meros buenos.

Y más aún. Ahora, en tiempos del Mundial, hay muchos convencidos de que la última moda del aficionado futbolero consiste en vestirse con camiseta, dejarse crecer la panza, y ponerse un picudo sombrerote zacapoaxtla con la leyenda de “Viva México Ca…”. Para comprobarlo basta con ver las graderías de los estadios en cualquier partido de la selección. A esos aficionados les digo que ésta era la moda que lucían Los Xochimilcas desde hace cuarenta años en el Blanquita y en otros escenarios clásicos. Sí, por fin el tiempo da la razón a Los Xochimilcas al demostrar que su estrambótica indumentaria era profética, y tenía como destino representar a México ante el mundo del tercer milenio. Pero la creatividad visionaria del conjunto alcanzó la cima más alta en su propuesta musical. Su concepto puede definirse con una sola palabra: Fusión.

Los Xochimilcas crearon su música con la más singular dotación instrumental: Bajo, batería, acordeón y trompeta. Esta combinación de instrumentos, utilizada con habilidad e ingenio, hizo posible que el grupo interpretara los géneros más diversos en un incontenible hervidero rítmico. En sus actuaciones, el público podía elegir entre bailar o dedicarse a gozar escuchando las divertidas letras de las canciones.
Boogie woogie, cover

Yo recuerdo haber asistido a una presentación de Los Xochimilcas en Coyoacán en la que los asistentes no paraban de reír con temas clásicos como: “Que se mueran los feos”, “La banda borracha”, “Saca la botella”, “Domitila” y la sorprendente “Chilorius” que era el cover de “She loves you” en una versión picante y chistosa. Esta faceta los colocaba dentro de la categoría de Cómicos musicales o Excéntricos musicales, junto a Tin Tan y Marcelo, Viruta y Capulina o Kiko y Karlo. Sin embargo, esta clasificación se quedó corta porque no tomaba en cuenta trabajos más serios como “Los danzones de Lara”, “Pulque para dos”, “Rigoletito”, “El cable”, “El baile del sillón” o “La bala”, en los que la música era un auténtico agasajo para darle vuelo a la hilacha con toda la propiedad del caso. Su personalidad sonora se basaba en los contrastes. Los ejecutantes no podían ser más opuestos.

En la batería estaba un gordo macho y bigotón excedido de adrenalina que golpeaba tambores y platillos como poseído. El bajo lo tocaba un flaco vestido de manta que representaba a un indio ladino lleno de picardía.

Otro flaco tocaba el acordeón. Cabe decir que en aquellos años el acordeón no era tan popular y apreciado como lo es ahora. Entonces se le identificaba como “el piano del pobre”. Quién iba a decir que cuarenta años después el público llevaría al instrumento hasta los primeros lugares con el vallenato, el grupero y el norteño. También en este aspecto Los Xochimilcas se anticiparon y abrieron el camino para el sonido urbano de hoy. Por su parte otro gordo, el de la trompeta, coronaba su look de vanguardia con el gran sombrero de paja. Entonces provocaba mucha risa. Ahora, esta prenda motiva sentimientos patrióticos y, en muchos casos, es también clara señal de que ahí donde se porta hay pachanga y despapaye.

Sin embargo, la combinación de los cuatro instrumentos reveló tener una versatilidad fuera de serie. Con el acordeón sonaban perfecto la cumbia, el chachachá, el merengue y todo lo tropical. La trompeta daba vida a los danzones y a las rancheras. Con la batería entraba el rock and roll, el jazz, el boogie boogie, y el bajo acentuaba los blues y swings. Es difícil imaginar que en aquellos sesenta pudiera haber existido otro grupo tan rico en posibilidades. Tal vez se podría pensar musicalmente en Mike Laure y sus Cometas, pero Laure no tenía la presencia escénica ni la comicidad de Los Xochimilcas.

El Muchacho Boogie Woogie – Los Xochimilcas

Si nos fijamos solamente en su desempeño físico sobre el escenario podemos estar hablando de una troupé de comediantes al estilo de los Hermanos Marx, pero de petatiux. Las rutinas de El Gordo y El Flaco les quedaban guangas porque en el conjunto se duplicaba la dosis: Eran dos gordos y dos flacos.

El acordeonista siempre aparentaba estar de mal humor. Era el patiño. El straight man. Una especie de Shilinsky ante Manolín: La eterna víctima de las travesuras del personaje tragicómico. El baterista, siempre anclado por su instrumento, desbordaba energía y con frecuencia estaba del lado del personaje travieso. Por su parte, el trompetista era el típico genio musical: Muy inspirado pero también muy distraído. El peso de la comicidad estaba a cargo del bajista. Este personaje era del planeta de Régulo y Madaleno pero con una diferencia notable y distintiva: era gay. Sí, también en esta faceta Los Xochimilcas se adelantaron a su tiempo. Ahora ya no llama la atención ver que en las compañías de comedia sea constante la presencia de algún actor que hace el papel de un gay.
Nuestros buenos vecinos de Yucatan
De hecho, el personaje gay es actualmente el ingrediente indispensable de muchas series y comedias de gran éxito y popularidad. Pero allá en los sesenta la cosa era distinta. Llámele ignorancia. Llámele discriminación o incorrección política. El hecho es que el bajista del grupo provocaba toda clase de reacciones en un público que no estaba acostumbrado a ver sobre el escenario un personaje así. Esta postura artística tuvo que estar llena de valentía si tomamos en cuenta que el bajista no era gay en la vida real. Yo conocí a su familia y fui amigo de uno de sus hijos al que no le gustaba decir que su papá era “ése” de Los Xochimilcas. Ahora debe andar orondo al pensar que su padre fue pionero dentro de esta línea de caracterización.

Ante todo esto no queda más que reconocer la necesidad de ir pensando en un gran homenaje a Los Xochimilcas. Yo no llegaría al extremo de pensar para ellos un monumento en la Avenida Reforma o en un lugar dentro de la Ilustre Rotonda. Pero sí creo que tampoco podemos dejarlos en el olvido. Su influencia es demasiado evidente y real como para ignorarla.

Ahora, cada vez que usted escuche la radio o vea los canales musicales de televisión, tendrá que reconocer que hoy casi toda la música popular de México es descendiente directa de las fusiones propuestas por Los Xochimilcas. La próxima vez que salga a la calle, al llegar a una esquina concurrida, al observar una parada de microbús, al asistir a un espectáculo masivo, al ver el canal de televisión del Congreso, o al presenciar un mitin político fíjese bien, porque ahí verá a Los Xochimilcas que se han multiplicado como clones por todo el país y hasta han emigrado a países vecinos.
Los xochimilcas
Ya lo dijo el que lo dijo al decir: “El pueblo no tiene lo que se merece. Tiene lo que se le parece”. Nosotros mereceríamos ser como Brad Pitt. Pero nos parecemos más a Los Xochimilcas. Así es la vida. Tal vez en este momento, picado por la curiosidad, algún lector estará pensando entrar a internet para bajar más datos del influyente cuarteto. No lo haga. No pierda su tiempo.

Llevo meses intentando reunir la información más elemental sobre el grupo y nada aparece. He hablado con amigos, expertos en la materia, y nada. Es una tristeza. Hay una deuda de justicia con Los Xochimilcas.

Es impostergable el rescate de esta parte de nuestra memoria cultural, pues si dejamos que se pierda para siempre ya nadie podrá explicar cómo llegamos al nivel en el que ahora estamos.

Fuente: MILENIO SEMANAL y del sitio:

http://revistaespejo.iglesiatriunfante.com/modules.php?name=News&file=article&sid=1550
Xochimilca´s rock

Los Xochimilcas

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http://malbecblues.blogspot.com/2011/12/lanzamientos-nacionales.html..de Martin Sassone

Rubén Gaitán – Tuve que hacerlo.

La primera pregunta que me surge luego de escuchar el disco es ¿Por qué tuviste que hacerlo Rubén? No hay dudas de que Gaitán es un referente de la armónica y del blues en la Argentina. Ha tocado con todos los músicos locales y con algunas figuras que vinieron del exterior. Todavía recuerdo con emoción esas noches de buena música, humo y Tía María en Betty Blues. Pero aquí y ahora, escuchando el álbum, pienso que un fiscal, durante una indagatoria, podría aceptar ese título como una confesión de culpabilidad. El disco también podría haberse llamado “Y qué le voy a hacer” o “Hice lo que me dijeron que hiciera”. Las letras de las canciones son un cliché y los invitados –Juanse, Sarcófago, Manuel Quieto de La Mancha de Rolando, entre otros- no logran levantarle la onda. Se trata de rocanroles obvios, previsibles, que bien podrían ser parte del repertorio de una banda de rock barrial adolescente. Rescato los solos en Me va a matar, Whisky para dos y Policías en acción, en los que Rubén Gaitán hace lo mejor que sabe hacer: tocar la armónica.

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Fuente: http://www.si.clarin.com/musica/blues-elitista_0_587341493.html

Buenos Aires, lunes 12 de diciembre de 2011
Clarin.com

“El blues es elitista”

El armoniquista Rubén Gaitán se presentará el jueves 10 de noviembre en el Marquee, a partir de las 22. Invitados confirmados: Dany Suárez de Bersuit y los ex Ratones Sarcófago y

Bien acompañado. Para su último disco, Rubén contó con invitados de lujo: Dany Suárez, Sarcófago y Arito Rodríguez, entre otros. Ampliar

Bien acompañado. Para su último disco, Rubén contó con invitados de lujo: Dany Suárez, Sarcófago y Arito Rodríguez, entre otros.

El creador de la cortina de Policías en Acción, Rubén Gaitán, presentará este jueves su nuevo trabajo de estudio. Tuve que hacerlo, Es el tercer disco de su carrera y el primero con tanta produción: fue grabado en El Cielito con Juanse y Germán Wiedemer. Además, el álbum contó con invitados como Roy Quiroga, Sarcófago, Pablo Memi, Manuel Quieto, Daniel Suárez, Heber Vicente y Arito Rodríguez.

-¿Qué estilo tiene el disco?

-Tiene su base de blues, pero es más crudo, más rockero, al estilo de AC DC.

-¿Cómo te decidiste a cantar tus temas?

-Fue por necesidad. Arranqué un día que faltó un cantante. Y después vi que tenía un feedback con la gente, que se copaban. Y decidí cantar mis propios temas y contratar cantantes para los covers.

-¿Cómo elegiste la armónica como tu instrumento?

-Hace 20 años tocaba la guitarra y el piano, escuchaba AC DC ymúsica del estudio. Una vez vi una película de soldados, de Vietnam. En un momento vi que uno sacaba una armónica y empezaba a tocar una melodía hermosa. Fue un segundo que me cambió la vida. Renuncié a mi trabajo en la parte de finanzas de una empresa y me dediqué de lleno a la armónica.

-¿Por qué es que el blues no tiene tanta difusión?

-El blues no es masivo, es más elitista. Tiene mucho de instrumental y poco de comercial. Por eso en este disco trato de abrirme más, a ver si abro el campo y nos metemos en las radios.

Rubén Gaitán presentará Tuve que hacerlo el jueves 10 de noviembre en El Marquee, Scalabrini Ortiz 666.

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TUVE QUE HACERLO / RUBEN GAITAN

Fuente:http://esquinarockweb.com.ar/nota.php?id=12250#.TuYvU_IRJVU

Luego de algunas experiencias en bandas (La Barrelhouse, La Suburbana, Blues Special Club, Rubén Gaitán y la Betty Blues Band, y Rubén Gaitán Blues Band), y tras muchos años como músico invitado, tanto de bluseros extranjeros (Eddie King, Larry Mc Cray, Phil Guy, Blues Etílicos, Sherley King, Billy Branch, Bruce Ewan, David Mayers, Tail Dragger y Lurrie Bell) como de rockeros nacionales (Turf, Ratones Paranoicos y Durabeat), el prestigioso armoniquista toma la posta y saca su primer trabajo como solista.

Además, para “Tuve que hacerlo”, Rubén Gaitán también debuta como cantante. Y no debería sorprender: antes de especializarse en la armónica, aprendió vocalización y canto. Lo cierto es que, para encarar éste trabajo, decidió retomar el aprendizaje de la mano de Nicolás Amato, “un gran profesor de canto, quién me ayudó mucho para tomar ésta decisión”.

Con la base conformada por Heber Vicente (batería) y Sebastián Holzmeister (bajo), y una larga lista de invitados que incluye a los productores artísticos Juanse (guitarras) y Germán Wiedemer (teclado), Rubén Gaitán entrega un material rutero que viaja, principalmente, entre el rock (“Necesito”, “No me iré sin ti”, “Das la vuelta”, “Doblando la esquina”) y el blues (“Se mueve” y “Whisky para dos”).

Párrafo aparte merece “Perdiéndome”, un mid tempo de estribillo ganchero en el que Gaitán hace dueto con Manuel Quieto, líder de La Mancha de Rolando, y funciona como una de esas canciones que agradan desde la primera escucha. Fuera de los dos estilos reinantes, pero no tanto, también se destacan la funky “Me va a matar”, y el boogie woogie “No voy a pagar”.

Después de tanto tiempo, Rubén Gaitán se convenció de que tenía que hacerlo y entregó su primer disco solista que sirve como resumen de su carrera: por un lado, la música que empezó escuchando (rock pesado); pero el otro, el estilo con el que se hizo un nombre (blues), y rodeado de varios colegas con los que compartió escenario.

Autor: Guillermo Conosciuto | Mail: gconosciuto@esquinarockweb.com.ar

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Breve biografia:

..Ruben Gaitan….

22/04/08

Otro grande y tambien profesor mio….un tipo demasiado profesional. un grande de la musica…

Cursó estudios en conservatorio clásico por el período de tres años, de piano, guitarra, teoría, solfeo y un año de vocalización y canto. Rubén Gaitán se lanzó en el año 1992, al estudio de la armónica blusera y cromática. Dos años más tarde, recibió clases particulares de James Cotton, en una de sus visitas que el prestigioso músico hizo a la Argentina. Lo mismo sucedió con el armoniquista Bruce Ewan de Washington DC, con quien tomó clases de perfeccionamiento. También tomó clases particulares con Billy Branch, Flavio Guimaraes, Ranful Neal y Little Mack Simmons.

En el año 1994 comenzó a dictar clases de armónica diatónica a principiantes. En 1996 y habiéndose especializado con instrumentistas de primer nivel, comenzó a dictar clases, ya no solo a principiantes, sino también a avanzados y a profesionales de la música. Es uno de los primeros armoniquistas argentinos que incorporó técnicas tales como lengua blocke, trinos de lengua, polirrítmicas, etc. y en llevar su instrumento como pieza principal y líder de una banda. Eso lo llevó a firmar contrato con la compañía Breyer S.A., representantes de la marca Lee Oskar en Argentina. En 1998 se especializó en el estudio de la afinación, reparación y mantenimiento de armónicas diatónicas y cromáticas. En septiembre de ese mismo año fue convocado por la compañía Data Music, representantes de la marca HOHNER en Argentina, con quienes firmó contrato por dos años. En marzo del 2000 dictó clínicas de afinación, reparación y mantenimiento del instrumento. Renovó contrato con la firma HOHNER, comenzó sus giras por el interior del país, actividad que continúa realizando en la actualidad. En el 2002, junto a su hermano Javier Gaitan montan un taller de reparación de armónicas y comienza con la fabricación de micrófonos, cinturones y otros productos para armoniquistas.

En el 2004 – 2005 es convocado por la productora Polka (Adrián Suar) para realizar distintos trabajos, lo más reciente es “Vientos De Agua” (estrenada en junio del 2006) donde se desempeño como couch de armónica del actor Pablo Rago.

Ha fines del 2005 interrumpe momentáneamente su actividad musical para encarar uno de los proyectos más importantes de su carrera hasta el momento, “El Primer Instituto Argentino De Armónica”, en Mayo del 2006 ve terminado su sueño comenzando a funcionar en Capital Federal (corazón de Buenos Aires) sumándose día tras día más y más alumnos a la cantidad de personas que hace años toman clase con Rubén Gaitán.

Respecto a su trayectoria musical, en el año 1994 integró el trío acústico “La Barrelhouse” (junto a Marcelo Telechea en piano), en 1994/95 “La Suburbana”, en 1995 fue contratado por el “Blues Special Club” para integrar la banda de ese mismo nombre. En el año 1996 creó “Rubén Gaitán y la Betty Blues Band”, contratado por el Pub del mismo nombre. Fue soporte de Eddie King, Larry Mc Cray, Phil Guy, Blues Etílicos, Sherley King, Billy Branch, Bruce Ewan y otros. Fue músico de la banda que acompañó a David Mayers en sus visitas a la Argentina. Realizó shows acústicos junto a Ricardo Tapia, líder de “La Mississippi”. En el año 2000 crea “Rubén Gaitán Blues Band”. Durante el 2003 y 2004 fue invitado por “TURF” donde se presento en el Luna Park y Cemento. Y por los “RATONES PARANOICOS” en Obras, Quilmes Rock 2003, etc.

En marzo del 2005 es convocado nuevamente por JUANSE (Ratotes Paranoicos), junto a Debora Dixon, Miguel Botafogo, Alejandro Lerner , Andrés Calamaro, Fernando (Catupecu Machu), Luciano Napolitano, etc, para hacer 3 shows en Obras, presentando su disco GIRANDO. En el 2006 es invitado de los DURABEAT, junto a Gillesppi, Luis Alberto Spineta y Charly García, en su show Tributo a los Beatles en el ND ATENEO.

Actualmente podes escucharlo por radio o verlo en TV ( Rock & Pop TV, CM, Much Music, etc,) en el corte de difusión del ultimo disco de los Ratones Paranoicos “Inyectados de Rock & Roll” en el tema “Vampiro”.

En su historia discográfica, cuenta con tres CDs, grabado con distintas formaciones, que van desde el blues tradicional hasta el blues de Chicago. El primero “Rubén Gaitán Blues” fue grabado en el año 1998 y el segundo “100% Blues”, contiene una recopilación de distintas grabaciones que van del año 1994 al 2001 y el tercero en vivo en Bartolomeo, lugar donde realizo ciclos durante el año 2003

Fuente : Diego – Harp Attack –



*Llegó a México para quedarse
Texto y fotos Arturo Olvera Hernández
Originaria de Gran Bretaña, Natasha Vigille, para nuestra fortuna lleva 8 años radicando en México cantando el blues, el soul, raggae y otros géneros negroides. A pesar de haber nacido en Europa ella es morena, de figura espigada y estilada, habla en buena medida el español, entonces la comunicación fue fluida y nuestra entrevista resultó como la de dos viejos conocidos.

“Me gustan varios tipos de música como blues, soul, un poco de reggae, también rock, todo tiene su razón y para mí tuvo mucha influencia mi mamá y mi corazón, canto con el corazón”, de esta forma inició la charla.

¿Cuándo empiezas a tomar la música con seriedad?

“Cuando llegué a Tulúm, aquí en México, antes cantaba porque casi toda mi familia son músicos, cuando era más joven no tenía conciencia, aunque la primera vez vine hace como 11 años y luego cada año, hasta que dije vámonos y me quedé aquí hace 8”.

¿Qué te gustó de México?

“El sol, la playa, el mar, los mexicanos, la energía, todo”.

¿Extrañas tu país?
“No, no, para nada”.

¿Tus padres dónde nacieron?
“Mamá es de Jamaica y papá es de República Dominicana”.

¿Cuándo empiezas a cantar profesionalmente?
“Cuando llegué aquí, no sé por qué, México tiene algo, antes tenía miedo y ahora no tengo, aquí el sol, la energía y quise cantar como Aretha Franklin, Bob Marley y otros, me gustan todos”.

¿Te ha gustado el ambiente en México, lo que aquí se canta y lo que te piden?
“Me encanta todo, es la verdad, pero más es el soul y el arambi, me gusta cantar cuando estoy feliz o cuando estoy triste, tengo una energía que me ofrece la gente y me llega al corazón, todo esto me produce feelling, la gente es muy importante”.

¿Estudiaste música?
“No, cuando tengo 16 ó 17 años tocaba saxofón y violín pero no por mucho tiempo, sólo era un entretenimiento y escuchaba todo tipo de música toda mi vida, en casa siempre cantaba en la ducha y en todos lados, creo que tengo algo y quiero que todos escuchen que les canto con amor, eso es”.
Y en efecto, al escucharla cantar en el escenario del Festival Salvablues, su comunión con la gente es inmediata gracias a ese sentimiento y entrega, amén de su calidad vocal. Pronto se gana el aplauso y el favor del público cantando como ella lo remarca, con el corazón.

¿Qué opinas de lo que has escuchado de blues en español?
“No es fácil hacerlo, debe tener su dificultad, yo no canto en español porque no lo hablo muy bien, tengo tres o cuatro canciones, pero creo que es importante la energía para hacerlo y el amor por hacerlo así y con toda la música”.

¿Piensas seguir radicando en México o te gustaría viajar a otras partes del mundo?
“Hay muchos países muy hermosos, pero ya siento a México como mi casa, me gusta mucho este país principalmente su gente, sus mariachis y siento mucho lo que aquí sucede”.

¿Y el público mexicano qué te parece?
“Siempre me ha tratado muy bien, tiene una energía muy especial que me motiva y hace sacar lo mejor de mí de una manera muy fuerte, es un público encantador, me ha dado mucho amor”.

¿Dónde encuentras esa energía en su tierra, en su cielo…?
“Está en su gente, son personas muy especiales, motivantes”
Natasha fue acompañada durante su presentación en Salvatierra por el excelente grupo Sin city, lo cual realzó su canto, su voz tersa y bien educada que cautivó al público, el mismo que llegaba y la abrazaba, la besaba y tomaba fotos, su sencillez y su talento fueron la clave para esta entrega mutua.

LA CONEXION ARGENTINA DE HUBERT……….

¿Quién fue más importante para la electrificación del blues, Hubert Sumlin o Muddy Waters, según Adrián Flores?

Yo creo que el músico mas importante que electrifico el Blues fue Muddy Waters, Hubert revolucionó la manera de tocar la guitarra, pero Muddy es el músico que yo siempre acostumbro decir que sintetiza todo dentro del Blues.

Hubert Sumlin: 1931-2011

Hubert Sumlin (1931-2011).Por nuestroa amigos de :http://www.taringa.net/comunidades/blues/4222669/Hubert-Sumlin_-1931-2011.html

Hubert se fue, y con su partida a cielos mas claros dejo un hueco en el corazon de millones de fanaticos y un legado que puede oirse, no solo en los puristas del blues sino tambien en un gran puñado de rockers que como Clapton y Keith richars le rendian pleitesia.
Ya se lo veia en sus ultimas presentaciones en mal estado. Si cuando subia al escenario ademas de su amada guitarra, llevaba tambien un tanque con oxigeno.

Las conexiones a veces son odiosas y a veces gloriosas.

La conexion con argentina de Hubert Sumlin forma parte de la segunda, y como testimonio hay dos discos grabados en el pais, con musicos argentinos “Made in Argentina” y “I’m the backdoor man” para el sello Blues Special records de Adrian Flores.

Mucho, para una leyenda del blues que grabo solo una docena de discos a su nombre, y testimonio del cariño del publico argentino.

Sus ultimos años fueron agradecidos con el, Artista tradicional del año, invitado en los Crossroads de Eric Clapton, ingreso en el salon de la fama del Blues….Reconocimientos en vida, para una vida signada por el blues.

Se ve incluso en Cadillac Records, el film que cuenta en modo figurado la historia de Chess records, como Hubert es pretendido por los dos mas grandes: Muddy Waters y Howlin Wolf, que en la ficcion se lo lleva practicamente a punta de pistola. Asi de grande era su talento.
La Revista Rolling Stone lo cataloga como el guitarrista numero 43 dentro de los 100 guitarristas de todos los tiempos. Pero ellos que saben, son muy rockeros.

Hubert fue un musico avanzado para su epoca, y paso gran parte de su carrera junto al gran Howlin Wolf, nada menos, siendo responsable directo del sonido del gran Wolf desde mediados de la decada del 50 hasta su fallecimiento en 1976.
Aun recuerdo el placer que senti cuando tuve en mis manos “Heart & Soul” y “Healing Feeling”, gracias a aun amigo querido que los presto.
Hubert es una autentica leyenda con peso propio, que cargara con orgullo haber sido “el guitarrista de Howlin Wolf”, su mentor y su amigo, pero tambien fue el dueño de su propio destino.

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Hubert Sumlin – 1956 Gibson Les Paul Goldtop
29/05/08
Hubert, Hubert, el digno guitarrista y acompañante del mítico cantante y armoniquista de blues de Chicago Howlin’ Wolf; uno de los más grandes de los inicios del blues eléctrico junto con Muddy Waters.

Nacido en 1931 en Greenwood, Mississippi, EEUU, Hubert tuvo su primera guitarra a los 8 años y aprendió a tocar el blues desde pequeño, practicando en los tiempos libres en su trabajo de arado. Colándose a un recital en su nuevo pueblo Hughes, en Arkansas conoció a un tal Chester Burnett, apodado Howlin’ Wolf (Lobo aullador), que tocaba la armónica y recibía su sobrenombre de su desgarradora voz. Siguió durante 3 años a la banda de Burnett.

Sumlin se unió a la Wolf Band en 1954, después de haber madurado su estilo musical y evolucionando de una simple guitarra rítmica a un firme soleador, siendo contratados por Chess Records; y formando una de las duplas del blues más sólidas y fructíferas de la historia, y acercando el delta blues acústico del Mississippi a una veta más eléctrica que influiría en unos jovencitos llamados Clapton, Beck, Page y Taylor entre muchos otros… El contrabajista y ex boxeador Willie Dixon, personaje mítico del círculo del blues compuso para ellos éxitos como “Spoonful” “I ain’t superstitious”, “Little red Rooster”, “Back Door Man”, “Built for Comfort” y “Killing Floor”, editados en los ’50s.
Luego de algunas clases de música en el Conservatorio de Chicago, Hubert reemplazó la pua por sus dedos, permitiéndose así fraseos hechos a base de pellizcos de las cuerdas

Durante 23 años Sumlin permaneció en la banda soporte de Wolf, sin poder iniciar una carrera solista exitosa ni unirse a otro compositor (intentó con Muddy Waters en 1956, que tal vez por ser también guitarrista lo limitaba demasiado), pasando por una decadente etapa a fines de los 60s intentando adaptarse a los nuevos estilos psicodélicos, hasta la muerte de Burnett en 1976.

La carrera solista de Sumlin no fue muy exitosa que digamos, pero fue rellenada con su transformación en leyenda viviente.

Aunque en sus primeros años Hubert usó varias guitarras (básicamente las que podía conseguir), logró apegarse en su época dorada a ésta hermosa Gibson Les Paul Goldtop de 1956, con los micrófonos simples P-90 que se usaban en ésta era previa al descubrimiento al humbucker.

Les dejo este link a éste gran programa de radio de blues español, que le dedico este gran especial a Hubert Sumlin, y esta disponible en internet:
http://bluessyndicate.blogspot.com/2007/09/especial-hubert-sumlin.html
hasta la próxima viola del rock!!!

Es recordado con amor por los suyos.

Dios lo tenga en el paraiso de los guitarristas…
Hoy me invaden dos sentimientos: Tristeza por su partida y una insana y verde envidia por aquellos que en 1993 tuvieron la gloriosa fortuna de haberlo visto…

Recoguemos esta reseña escrita en castellano del blog MALBEC&bLUES Donde Martin recogue algunas impresiones de la gran figura que nos ha avandonado recientemente : http://malbecblues.blogspot.com/search?updated-min=2011-01-01T00:00:00-03:00&updated-max=2012-01-01T00:00:00-03:00&max-results=50

lunes 5 de diciembre de 2011

La historia grande del blues

En marzo de este año, más precisamente el sábado 26, cumplí uno de los sueños que tenía en la vida. Vi a los Allman Brothers en vivo en el Beacon Theatre de Nueva York. Esa noche, majestuosa, única, inolvidable, hubo invitados de lujo: Dr. John, Susan Tedeschi y el legendario Hubert Sumlin, quien fue presentado con énfasis por Warren Haynes. El viejo Hubert subió al escenario acompañado por un asistente, se sentó en una silla y la banda empezó a tocar el clásico de Howlin’ Wolf, Smokestack lightning, y luego Key to the highway. Hubert sacó algunos débiles solos de su Fender Stratocaster y sus clásicos riffs. Yo estaba en la fila 20 y recién me di cuenta que estaba asistido por un tubo de oxígeno cuando un primer plano suyo apareció en la pantalla gigante. Esa noche me fui extasiado por el show de los Allman, pero me quedé con la sensación de que Sumlin ya estaba atravesando el último trecho de su vida. La noche siguiente, fui a ver a Hubert al Iridium Jazz Club, en pleno Times Square. Me senté en una mesa a pocos metros de distancia del escenario y contemplé su show con atención y cierto dolor. Vi a un hombre cansado y muy enfermo tocar su guitarra como si se le fuera la vida en ello. Fue muy conmovedor. Esa noche salí a caminar por la fría Manhattan con la sensación de que ya no lo volvería a ver.

A Hubert ya lo había visto en tres ocasiones durante los noventa: una en el Festival de Blues de Long Beach, en California, y un par de veces durante sus múltiples visitas a la Argentina. En cada una de esas presentaciones el tipo dejó en claro que sabía cómo entretener con sus blues. Hubert se había enamorado de Buenos Aires. Hizo muchos amigos y grabó dos discos: Made in Argentina 1993 y I’am the backdoor man. Creo que junto a John Primer es uno de los bluesmen que más veces vino al país.

Hubert fue dueño de un estilo propio, diferente al de los demás guitarristas y muy enérgico, que se complementó a la perfección con la forma abrasiva y feroz que tenía Howlin’ Wolf para cantar los blues. En los cincuenta, Wolf tomó a Hubert como su protegido y le pagó clases de guitarra en el Conservatorio de Chicago. Esa sociedad tuvo sus frutos: Wolf contó con uno de los guitarristas más innovadores de la ciudad y Hubert tocó en una de las dos mejores bandas de la historia. La leyenda cuenta que el eterno rival de Wolf, Muddy Waters, tentó a Hubert para que se pasara de equipo. Al margen de las decenas de grabaciones que Hubert hizo junto a Howlin’ Wolf, editó una buena cantidad de discos solistas para los sellos JSP; Blind Pig, Tone Cool, Evidence y Black Top.

El nombre de Hubert Sumlin no podrá ser borrado de la historia grande del blues. Murió a los 80 años como consecuencia de un paro cardíaco derivado de una severa complicación pulmonar que arrastraba desde hacía varios años. A Hubert lo estamos llorando en todo el mundo. Imagino a Keith Richards, a Eric Clapton, a Lurrie Bell, a James Cotton, a Bob Stroger y a Ronnie Earl en sus casas escuchando sus discos y recordando los buenos momentos vividos junto a uno de los máximos exponentes de los doce compases

Adiós, Hubert ¡Hasta siempre!

RESEÑA DE NUESTRO ADMIRADO Diego Manrrique EL PAIS :http://www.elpais.com/articulo/Necrologicas/Hubert/Sumlin/abrupta/guitarra/Howlin/Wolf/elpepinec/20111206elpepinec_1/Tes

OBITUARIO
Hubert Sumlin, la abrupta guitarra de Howlin’ Wolf
El legendario ‘bluesman’ creció a la sombra del cantante y llegó a ser reverenciado por las estrellas del rock

DIEGO A. MANRIQUE 06/12/2011

Es posible que muchos no reconozcan el nombre de Hubert Sumlin, pero seguramente sí han sido tocados por su espíritu. Si han paladeado la obra de Tom Waits, saben que le gusta evocar la voz de licántropo de Howlin’ Wolf; detrás suele haber algún moderno imitando también el sonido abrupto de su guitarrista, Hubert Sumlin.

Keith Richards ideó ‘About them shoes’, su triunfo fuera del circuito del ‘blues’

Su biografía parece la del blues de Chicago: nacido junto al Misisipi, electrificado en el Norte, desechado por su público natural, reverenciado por las estrellas del rock. Hubert Sumlin murió el domingo en Wayne (Nueva Jersey), con 80 años. Había dado en Arkansas sus primeros pasos profesionales, junto a James Cotton. Pero sería otro cantante-armonicista quien facilitaría su entrada en la inmortalidad: en 1954, Howlin’ Wolf le ordenó que viajara hasta Chicago, para integrarse en su banda.

Lo de ordenar no es una forma de hablar: Howlin’ Wolf exigía una lealtad total a sus músicos: en los clubes del South Side, ellos debían vestir de etiqueta mientras el líder prefería llevar ropa cómoda. Hay testimonios que sugieren que el Lobo Aullador nunca le perdonó la temporada que le abandonó, para tocar con su máximo competidor, Muddy Waters, que a su modo dirigía una extraoficial Academia del Blues de Chicago. Pero lo cierto es que le acogió de vuelta y le mantuvo en su grupo hasta su fallecimiento, en 1976.

Intimidante por su envergadura y temible por su furia, Howlin’ Wolf moldeó a Hubert Sumlin. Había entre ellos una diferencia de 21 años y Howlin’ Wolf solía ir armado, nada de bromas. Dice la leyenda que le obligó a estudiar con un profesor de guitarra clásica y, esto es más importante, a tocar la eléctrica sin púa. Tiene sentido ya que sus impresionantes grabaciones para Chess Records revelan ecos directos de la guitarra acústica del delta blues. Enfrentado al impulso sobrehumano de Howlin’ Wolf, Sumlin respondía con líneas de sierra, frases explosivas, soluciones inesperadas ante el vértigo del hueco vacío.

Al quedarse musicalmente huérfano, Hubert Sumlin intentó mantener la banda bajo el nombre de The Wolf Pack (la Manada de Lobos). Luego, retomó una carrera en solitario que había iniciado muy tímidamente: grabó su primer elepé en Berlín Este, en 1964, durante una gira del American Folk Blues Festival. Su reputación como guitarrista explica que compañías francesas, alemanas ¡o argentinas! le produjeran discos inciertos: Sumlin carecía de grandes poderes como cantante y tendía a dejar a otros el papel protagonista.

Finalmente, sus admiradores blancos decidieron apoquinar y empujarle a hacer el disco que merecía. Fue Keith Richards quién inició en 2000 la elaboración de About them shoes, su última obra y la primera en difundirse fuera del circuito del blues. Parecía una carrera contra reloj: a Hubert se le detectó un cáncer, hubo que extirparle un pulmón y los esfuerzos se desplazaron hacia organizar conciertos para pagar las facturas hospitalarias.

About them shoes tardó cinco años en materializarse. Y funcionó: la entusiasta presencia de Richards, Eric Clapton, Levon Helm o David Johansen garantizó que tuviera eco en los medios generalistas, permitiendo que Sumlin pudiera ganarse la vida girando por pequeños locales. Conviene señalar que el repertorio de About them shoes se centraba en temas de (o identificados con) Muddy Waters; no se atrevieron a adentrarse en ese territorio inexpugnable que son las bárbaras canciones de Howlin’ Wolf.

PARA DESCARGAR GRATIS: http://elrincondelrockblues.blogspot.com/2011/02/hubert-sumlin-heart-and-soul-1989.