Buen inicio de año en el Centro cultural José Martí del centro de la ciudad de México, con el programa titulado La batalla de las armónicas de blues, emprendido por Isidoro Negrete y respaldado por la dirección del Centro cultural comandado por la licenciada Maru Mundo, el cual se llevó a cabo este sábado 28 de enero, en la explanada de dicho foro dedicado al célebre pensador cubano.
Este encuentro de armonisistas inició a las 4 de la tarde con la participación del maestro Victorio Montes Silva, excelente ejecutante del pequeño instrumento, quien se encargó de “calentar” esta tarde fría, con sus interpretaciones muy al estilo de Sonny Terry, además de entonar algunas piezas de la tradición folklórica, algunas polkas que nos hicieron recordar los paisajes austriacos. Victorio, solo con su armónica llenó el ambiente con sus notas claras y precisas que fueron el inicio de una tarde dedicada a este instrumento de celdillas y alma del blues. Montes Silva fue despedido con un torrente de aplausos por parte del numeroso público.
El siguiente fue el grupo Stormy Monday, quienes con un blues más urbano estuvo a tono con la tarde gélida, clima que por momentos nos transportaba a la ciudad de Chicago, por el fuerte viento que sopló y que elevaba las notas por toda la Alameda capitalina. La banda rememoró, entre otros, temas de Muddy Waters que la gente aplaudió y le alegró el espíritu. El viento arreciaba pero el sonido de la armónica proporcionaba calor a la gente ahí reunida. Estos músicos también fueron premiados con un ventarrón de aplausos y buena vibra.
El recital siguió su curso con la participación de una banda de reciente factura llamada North side train, comandada por el viejo lobo, Rodolfo Cruz, quien le vino a poner un sabor mexicano con su versión de “La cucaracha”, a un imponente arreglo del maestro “Big” Walter Horton, figura que inspira a Rodolfo en sus presentaciones. En un segundo set, subió al escenario la cantante Daniela Puente, quien con su presencia y voz nos hizo recordar a la trascendental “Big” Mama Thornton, al final se despidió con el tema “Hound dog”, cuando el público ya no podía estar tranquilo en sus asientos, pues más de tres docenas ya movían el cuerpo con gracia y frenesí.
El cierre correspondió a la banda del experimentado armonisista Isidoro Negrete y La máquina del blues, grupo plagado de jóvenes entusiastas y con talento, que fueron dignos en este cierre ya entrada la noche y con un clima helado, sin embargo, La máquina del blues brindó calor a los aproximadamente 400 aficionados al blues. Negrete hizo un recorrido con sus rolas por varios jefes armonisistas de la talla de Little Walter.
Este fue el inicio de una serie de eventos que desde hace varios años, el Centro cultural José Martí ha dedicado al blues, es como un sitio donde los que gustamos del género nos sentimos en casa. Y este 2012 seguramente habrá buenos conciertos que estaremos reseñando.
Una música que llega desde las vísceras para sanar el Alma . Emergió con fuerza desde hace 12 años, hoy es un movimiento latente que crece cada día en diferentes regiones del país. El Blues, género musical madre de todos los sonidos del siglo XX en adelante. Nació desde las entrañas del dolor afro, de almas sumidas ante las calamidades de la esclavitud para brotar cual poderosa vibración exorcista para aullar por la vida, para crear luces al final del túnel.
Y es en este sentido que uno de sus grandes padres, Jhon Lee Hooker, afirmó «el blues es sanación… me sanó a mi, puede sanarte a ti, si tú lo permites». La gran prueba de esto, es que el mundo afroamericano al ganar la libertad luego de la abolición de la esclavitud en 1865 por el presidente Abraham Lincoln, no tornó la rotura de sus cadenas como una oportunidad para la venganza y la vuelta de mano Kharmica en más violencia contra sus ex amos, sino todo lo contrario, dejó un legado de amor, una semilla trascendental que sembró en nombre de la emancipación, una simiente que ha brotado en infinitas ramas con frutos de diverso dulzor, un bastión músico cultural que ha influido en todo el mundo, a lo largo y ancho de toda la esfera terrestre.
Esto nos entrega una conclusión potentísima: cuando el dolor que han infringido tus enemigos es tal, que ni siquiera las lágrimas de sangre permiten romper tus cruces, es tan sólo el Amor el que puede llevarte hacia una salida, y en este caso el Arte, vinculado hasta los huesos con el Alma, quien concibió una salida tan Bella a una decadencia tan fulminante y horrenda por parte del ser humano hacia el ser humano.
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Foto: Mauricio Redolés
Y uno de esos frutos ha surgido en Chile, recorriendo ya varios ciclos con diversos grupos que vienen cultivando el Blues con nuestros propios relatos, líricos y poéticos. Algunos inicios importantes emergieron del poeta y cantautor Mauricio Redolés, con su canción que funciona como génesis «Este Blues de Santiago».. donde versa: «y sino es de Luisiana que querís que yo le haga (…) este blues me emparenta al negro que fue esclavo, este blues me emparenta al cubano y al chicano, este blues es clandesta… mi territorio liberado!».
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Foto: La Banda del Capitán Corneta
Luego llegó la banda del Capitán Corneta, grabando su disco «Perros Dias» con armónica incluida, algo que no solía escucharse mucho, abriéndonos el camino para una camada de músicos que se fueron formando en el mítico desaparecido BAR LA BLUSERA, en el Barrio Bellavista, donde nacieron bandas como «Los Bluseros Muertos» y «EL Cruce», este último es hoy el grupo punta de lanza del movimiento del Blues Chileno, y lleva su nombre debido la leyenda de otro papá de los orígenes del blues, como lo fue, Robert Johnson, de quien la historia dice que vendió su alma al diablo para tocar de forma magistral la guitarra, en el cruce de la autopista 61 con la 49 en Clarcksdale (Missisipi). Los rumores señalan que el mismo Johnson describió el aspecto del demonio como un ser de piel blanca, lo cual le permitió paradógicamente interpretar en canje el Blues mejor que nadie.
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Foto: El Cruce
Hoy el centro neurálgico del Blues Chileno en Vivo se mueve en la calle Antonia Lopez de Bello, Barrio Bellavista, Santiago. Como un delta del río Mapocho esta calle alberga varios de los locales donde frecuentemente podemos encontrar músicos y bandas tocando blues y sus derivados. Guitarras afiladas y armónicas se escuchan desde arriba hacia abajo encontrándonos con el mítico Bar Altazor (altura 0189), donde Vicente Huidobro aparece ampliamente en presencia fotográfica gigante y su alma inspira noches de color rojo pasión en un ambiente rustico rodeado de madera barnizadas y ambiente bohemio; bandas de Blues de Valparaíso como los Blue Berries, como también de la capital, con Nicolas Wernekinck Quintet son carta fija y de gran demanda.
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Luego a la altura del 0126 El Perseguidor Jazz Club se ha dejado conquistar los últimos años, con una suculenta parrilla de Blues local, teniendo durante los martes de la mayor parte del año el Ciclo Toro & Bluesman con invitados de la escena Blues Rock de forma continua. Se puede encontrar de manera frecuente también al maestro de la armónica don Gonzalo Araya, impactando a los asistentes con sus blues riff astrales.
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Foto: Gonzalo Araya
Seguimos bajando por la misma calle 0108 en Bar 2, un local en el segundo piso frente a la plaza Mori donde podemos escuchar a la «Banda Los Sin Nombre», mismo boliche donde la producción Panama Harmónica realizó un prolífico Ciclo durante el 2009 con una larga fila de Bandas y músicos de Blues Chileno que sembraron su sonido del alma.
En Abril del 2011, se abrió el Road House Blues, en calle Pio Nono 215, lugar que duró poco tiempo y se perfiló como un espacio prolífico de Rock & Blues pensado por y para Motociclistas.
El Destacado de la Zona, es el BAR GREZ ubicado en Antonia López de Bello 76, cuya fachada con dibujos y retratos de los padres del Blues, como Buddy Guy, Stevie Ray Vaughan y en su mismo trono Mr Muddy Waters, denotan el amor y el sincero interés que este restobar le ha impregnado a su espacio. Con una estructura interna moderna, buenos equipos de sonido y diversa microfonía, pantallas planas con una colección de lujo de Dvds que continuamente muestran archivos históricos del Blues, detalles lúcidos que solamente un fanático del género podría encontrar, y cuyo publico agradece puesto que se respira educación musical, valor por el espectáculo, cariño por el músico, y con precios absolutamente pensados para la clase media esforzada.
¿Cuál es el Lugar y Fecha de tu nacimiento?
Nací en Caracas, Petare; Distrito Sucre el 13 de Octubre de 1956
¿Dónde te criaste?
En Petare en lo que es hoy El Barrio El Carmen , mejor conocido como Matadero.
¿Como llegaste al Blues en un país Latino?
El Blues llego a mi , nací con ese feeling , donde nací mucha gente escuchaba Blues , Blues Británico y Rock de los 60 y 70 y por supuesto mucha Salsa Vieja.
¿Como empezaste en la música?
La Música me escogió para emprender tan largo viaje, comencé con la Armónica a los 5 años conjuntamente con la Flauta.
¿Donde estudiaste música?
Tu me haces preguntas muy difíciles de responder en una sola entrevista , tendríamos que tomar una entrevista para cada pregunta , estudie primero en la vida de la calle ò en la calle de la Vida, primero aprendí a improvisar que a leer, luego fui a varios conservatorios y estudie cualquier cantidad de años de la Música académica ò clásica como mejor le guste a la gente, tuve excelentes maestros a nivel académico, pero no es lo que uno estudie y con quien estudie sino lo que tu eres y representas, si naciera hoy de nuevo no estudiaría con nadie, La Música Nace con uno y es un proceso que va de adentro hacia afuera.
¿Qué equipos usas para conseguir ese sonido de Blues?
Mi Mejor equipo es el cuerpo que DIOS me dio, cada uno esta conformado de forma diferente y así también vas a sonar por todas tus características corporales, no se cual es el empeño de hoy día de sonar como tal ò cual , así solo sonaron ellos y a eso le añades tus vivencias , carencias , anhelos y pare usted de contar. Cuando toco y hoy solo estamos hablando de la Armónica uso mis manos, lengua, toda la caja toráxico incluyendo el diagrama, los pulmones, realmente uno usa todo el cuerpo. A nivel tecnico uso unos micrófonos de la época del Chicago de los años 40 a los 70, los mics clásicos son Astatic JT-30 y Shure Green Bullet, amplificadores de válvulas ò tubos y Armónicas de Blues Diatónicas y Cromáticas.
¿En que te inspiras?
Me inspiro en mis vivencias , carencias y mis esperanzas.
¿Qué Bluesman te Inspiro a Tocar Blues?
Hay varios voy a citar algunos pero en verdad es toda la gente que ha hecho Blues en el norte conocidos ò no, Big Walter Horton , Litlle Walter, Sonny Boy Williamson, Sam Myers, Johnny Woods, James Cotton, Jr Wells y muchos mas .
¿Tú que eres conocedor del Blues debes saber que se especula sobre el pacto de Robert Johnson, UD hizo el pacto?
Yo hice un pacto donde la Música esta primero, donde ser un Bluesman es una filosofía de Vida, donde un debe pensar que le ofrezco yo a la música ò al Blues en vez de pensar que me puede dar La Música a mi , lo que pasa es que estamos viviendo tiempos difíciles y uno piensa como vivo de la Música.
¿Hace falta hacer el pacto para hacer el Blues?
El único pacto que uno puede hacer con El Blues es estudiar , no hablo en el sentido escolástico sino tratar de hacerlo lo mejor posible , escuchar mucho de los grandes y los que no y ser fiel al estilo , al final todos tenemos algo que decir.
¿Con quienes has tocado?
No es con quienes has tocado tu sino lo que tu toques, he compartido con Grandes Músicos en Especial con José Riu, Miguel Blanco, Elio Fernández, Héctor Hernández, PTT Lizardo, Héctor Didonna, Héctor Castillo, Eugenio Moleiro, Claudio Buonocoure, Leo Córdova, Ksino, Ed Wolf , David Evans, Rafael Guerrero, Luís Carlos Villaroel, Carlos Gonzáles, Gustavo Borrero, Israel Colmenares, Roberto Rodríguez, Eduardo Gómez, Rodolfo Reyes, Cheo Rodríguez, José Rivas Lesbia Mayora, Greta Martins, Cecilio Perrozzi , Micho, Julio Lamas, Júnior Romero, La Misma Gente, Julio Sánchez, Alexis Peña, Toño Bello y un debutante como bajista Guillermo Torres, por citar algunos porque son demasiados y solo es la parte del Blues y no de los otros estilos que trabajo ò interpreto, Ofrezco disculpa a cualquier Músico a quien no haya nombrado en esta entrevista.
¿Recuerdas anécdotas?
Tengo muchas pero no son para difundirlas por respeto.
¿Cual es tu disco favorito?
Tengo muchos favoritos
¿Cual fue la primera canción que sacaste en tu instrumento?
No recuerdo, tenia muy poca edad.
¿Que pasa en Venezuela con la música?
Más bien que le pasa a La Música en Venezuela, le pasa de todo, no quiero responderte realmente esta pregunta, no quiero herir sensibilidades y tendría que enfrentarme con muchísima gente por mis declaraciones, esto debe ser tema para abordarlo en otro momento.
¿Que pasó con el Blues en Venezuela?
Como decía Willie Dixon , lo mejor del Blues esta por venir, el problema de ahora es que todo el mundo dice ser bluesista, los que interpretamos este estilo nos enfrentamos con cualquier cantidad de trabas y lo mas difícil es que nosotros somos muy pocos y tenemos que enfrentarnos a mil problemas, desde locales donde ofrecer nuestro trabajo entre otras cosas.
¿Por qué no hay Festivales de Blues en Venezuela?
Porque no ha y voluntad de hacerlos, hay un publico creciente ávido de ver y escuchar buen Blues.
¿Y por qué Argentina, Chile y México sí tienen Blues y Venezuela no?
Porque en esos países hay unas tradiciones diferentes, desde los instrumentos que se tocan a la cantidad de habitantes que hay en cada uno de ellos.
¿Recuerdas algún concierto en especial?
El Blues Fest. 98
¿Que frase es única para ti?
LA MUSICA ES LA UNICA RELIGION DONDE LA FE SOLO NO BASTA.
Uno de los géneros musicales más influyentes en la música rock es el blues. Grandes bandas y solistas como Led Zeppelin, Cream, Eric Clapton, Jimi Hendrix, Ten Years After, Janis Joplin -entre otros- basaban la raíz de su música en el blues. En nuestro país son pocas las agrupaciones que han dedicado su música casi de forma exclusiva a este género musical y entre esas pocas bandas se pueden mencionar a Pastel de Gente y La Soto Blues Band. Esta última agrupación se forma en 1994 y la integran Eduardo Soto (armónica), Cecilio Perozzi (guitarra), Alexis Escalona (bajo), Victorino «Kasino» González (batería) y Lesbia Mayorca (voz). En 1995 ganan el II Festival de Jazz de Maracay y es la banda revelación del II Festival de Jazz de Trujillo. Para el año 2000, la banda la integran Eduardo Soto junto con José Ángel Regnault (guitarra), Miguel Ángel Blanco (bajo), Héctor Didonna (teclados), Elio Fernández (batería) y Alexis Peña (voz). Es una banda relativamente nueva que se ha dedicado a interpretar el llamado «blues eléctrico de Chicago». Su primera, y hasta ahora única producción discográfica, se titula Total Blues Fusion (2001) donde presentan una serie de versiones de clásicos del blues, versiones que muestran el toque original que le imprimen los miembros de la agrupación y donde dejan entrever las influencias de pioneros del blues eléctrico como Muddy Waters, Elmore James, B.B. King; así como de los grandes del blues rock como Jimi Hendrix, Stevie Ray Vaughan. Es poco lo que se puede escribir sobre esta agrupación, pero es mucho lo que se puede disfrutar escuchando su música, su calidad y su feeling. Recientemente han firmado con el sello discográfico Musical Mind para la edición de su segundo trabajo discográfico. Además de su álbum Total Blues Fusion, en el álbum recopilatorio Blues desde el Sur Profundo (2003) participan con dos temas grabados en vivo: Big boss man y Mr. Blues en el año 1997.
DISCOGRAFÍA
Total Blues Fusion (2001) -CD-
Formación: Ernesto Soto, José Ángel Regnault, Elio Fernández, Miguel Ángel Blanco, Héctor Diddona.
Temas: I´m Your Hoochie Coochie Man, Big Boss Man, Little Red Rooster, It Hurts Me Too, Tribute to Muddy Waters & Jimi Hendrix, Midnight Rambler, The Sky is Crying, Pride and Joy, Troble no More, Mr. Blues, Rock me Baby, Sweet Home Chicago, Your Blues my Sweet Little baby, Jimmy´s Rambler Blues.
Uno de los géneros musicales más influyentes en la música rock es el blues. Grandes bandas y solistas como Led Zeppelin, Cream, Eric Clapton, Jimi Hendrix, Ten Years After, Janis Joplin -entre otros- basaban la raíz de su música en el blues. En nuestro país son pocas las agrupaciones que han dedicado su música casi de forma exclusiva a este género musical y entre esas pocas bandas se pueden mencionar a Pastel de Gente y La Soto Blues Band. Esta última agrupación se forma en 1994 y la integran Eduardo Soto (armónica), Cecilio Perozzi (guitarra), Alexis Escalona (bajo), Victorino «Kasino» González (batería) y Lesbia Mayorca (voz). En 1995 ganan el II Festival de Jazz de Maracay y es la banda revelación del II Festival de Jazz de Trujillo. Para el año 2000, la banda la integran Eduardo Soto junto con José Ángel Regnault (guitarra), Miguel Ángel Blanco (bajo), Héctor Didonna (teclados), Elio Fernández (batería) y Alexis Peña (voz). Es una banda relativamente nueva que se ha dedicado a interpretar el llamado «blues eléctrico de Chicago». Su primera, y hasta ahora única producción discográfica, se titula Total Blues Fusion (2001) donde presentan una serie de versiones de clásicos del blues, versiones que muestran el toque original que le imprimen los miembros de la agrupación y donde dejan entrever las influencias de pioneros del blues eléctrico como Muddy Waters, Elmore James, B.B. King; así como de los grandes del blues rock como Jimi Hendrix, Stevie Ray Vaughan. Es poco lo que se puede escribir sobre esta agrupación, pero es mucho lo que se puede disfrutar escuchando su música, su calidad y su feeling. Recientemente han firmado con el sello discográfico Musical Mind para la edición de su segundo trabajo discográfico. Además de su álbum Total Blues Fusion, en el álbum recopilatorio Blues desde el Sur Profundo (2003) participan con dos temas grabados en vivo: Big boss man y Mr. Blues en el año 1997.
DISCOGRAFÍA
Total Blues Fusion (2001) -CD-
Formación: Ernesto Soto, José Ángel Regnault, Elio Fernández, Miguel Ángel Blanco, Héctor Diddona.
Temas: I´m Your Hoochie Coochie Man, Big Boss Man, Little Red Rooster, It Hurts Me Too, Tribute to Muddy Waters & Jimi Hendrix, Midnight Rambler, The Sky is Crying, Pride and Joy, Troble no More, Mr. Blues, Rock me Baby, Sweet Home Chicago, Your Blues my Sweet Little baby, Jimmy´s Rambler Blues.
¿Cómo la música fantástica de salon Europea puede influir en la creación del blues? De una manera más profunda que la mayoría de los aficionados se dan cuenta. Lo que sigue es uno de los capítulos más fascinantes y menos comprendidos de la historia del blues.
En los tiempos antes de las luces de la radio, los discos, y electricidad, la gente tocaba música para divertirse después de la cena y en las reuniones sociales. «Salón de la guitarra,» uno de los favoritos de tarifas musical europea durante el 1700, puso de moda en Estados Unidos. Juega con los dedos desnudos de cuerpo pequeño en los instrumentos, guitarra sala se hizo inmensamente popular, como lo demuestran las pilas de partituras publicadas durante el 1800. Muchos de estos compuestos denominados por las cuerdas de guitarra para ajustarse a un acorde abierto. El más común de estas afinaciones, abra C (con las cuerdas afinadas C, G, C, G, C y E, de bajo a alto) y D abierto (D, A, D, F #, A, D), tenía claramente Europa un origen. Los orígenes del G abierto, un banjo tuning favoritos, son más difíciles de rastrear. Dos composiciones de salón, en particular, que desempeñan un papel crucial en el desarrollo de los blues.
A la derecha: Henry Worrall con la guitarra de concierto.
Nuestro viaje comienza con Henry Worrall. Nacido en Liverpool, Inglaterra, en 1825, Worrall se trasladó a los Estados Unidos en 1835 y finalmente se estableció en Cincinnati, Ohio. Durante un tiempo trabajó como aprendiz de un cortador de vidrio, pero su pasión era la música de la guitarra. Un intérprete calificado y compositor, se convirtió en un profesor de música en la universidad de Ohio Mujer. Uno de sus estudiantes de guitarra premio, Mary Elizabeth Harvey, se convirtió en su compañero de juego y la mujer. En 1856, completó la escuela Worrall guitarra o el instructor de guitarra ecléctica, que se mantuvo en la impresión a través de la década de 1880.
El 29 de junio 1860 , Worrall entró en la oficina del secretario de la Corte del Distrito Sur de Ohio y los derechos de autor presentada por dos canciones instrumentales de guitarra. «Fandango original Worrall en español», pidió la cuerdas de la guitarra para ser sintonizado en un acorde abierto-G (D, G, D, G, B, D, de bajo a alto), con la explicación de que la música era para ser leída como si la guitarra en afinación estándar. Algunos de los adornos de la canción sonaba como versiones diluidas de las primeras del siglo XIX la música europea. Su final poco vivace alle, por ejemplo, podría haber funcionado como una coda Opera Rossini. Sin embargo, con su melodía cadenciosa y facilitar los cambios de acordes, esta canción es sin duda el antepasado directo de una de las cepas más comunes de blues.
Dos palabras se destacan en el título Worrall. «Fandango», que se consideran de origen africano, apareció por primera vez en el idioma Inglés en la década de 1760, que se utiliza para describir una «bola de nativos», o la danza. Entonces el término se aplicó a una danza animada tiempo 4.3 que se originó entre personas que hablan español. Un cartel de teatro para abril 1796 John Theatre de Nueva York Street, por ejemplo, anunció una «Fandango español» entre el juego y la afterpiece, lista de cuatro bailarines y cantantes de cinco años que no aparecía en el juego. Con el tiempo la palabra se utiliza para describir la música en sí. De gran interés para los investigadores del blues, sin embargo, es la palabra que precede a «Fandango» en el título Worrall, «español.» En las próximas décadas, esta palabra volvería a repetir en el vocabulario de los músicos de blues originarios como Charlie Patton, Son House, Robert Johnson y Muddy Waters.
Entrada a derechos de autor Worrall ese día, «Sebastopol», estaba compuesto de varios sí rs antes, cuando la guerra de Crimea estaba en su apogeo. Para conmemorar el largo asedio de la ciudad rusa de Sebastopol (más tarde escribe Sebastopol), compuesto por Worrall una majestuosa marcha que imita una corneta y banda de música militar. Subtituló su obra una «Fantasía descriptiva de la Guitarra». Esta vez, la música instrucciones a los interpretes a volver a sintonizar su guitarra para abrir D por lo que la canción es elegante agudos encadena melodías y armonías acampanadas cayó fácilmente en sus dedos. En su forma 1860, «Sebastopol» tiene poca variación armónica y sonidos decididamente anti-africano, pero su melodía principal y la voz líder del enfoque de los acordes se convirtió en alimentos básicos para el blues y el folk artistas tan variados como Libba Cotten, Robert Wilkins, Mississippi John Hurt, y Furry Lewis.
Pero, ¿cómo las canciones de Worrall con derechos de autor en 1860 pueden entrar en el blues y el folk originales? La respuesta radica probablemente en sus afinaciones vieja guitarra.
El crédito para esta investigación va a John Renbourn, estimado guitarrista británico fingerstyle y ávido estudiante de la American para la guitarra. En 1992, John me envió las copias de «El español Fandango» y «Sebastopol» se muestra en este blog, junto con estas revelaciones: «Tengo muchas otras piezas de salón en afinaciones abiertas de todo al mismo tiempo. Yo estoy en el proceso de comparación de estos con los primeros grabados ‘popular’ versiones para ver qué tanto de los originales se han conservado. Parece como si una gran cantidad se ha mantenido, hasta el punto de que estas piezas de edad me parece que han sentado las bases para el blues y emergentes estilos de tocar la guitarra. «Sebastopol» y «Fandango español» fueron las dos piezas en solitario extraordinariamente popular y su disponibilidad en la impresión continua más allá del cambio de siglo. Parece claro que estas piezas dado sus nombres a la gente de los términos «español», para abrir-G tuning, y ‘Vastopol’ para abrir D o E. Sin embargo, abrir las conexiones no se limitan a las afinaciones, que tienen lugar en términos de contenido de armónicos y patrones de la derecha, incluso específicos.
«Lo que probablemente ocurrió fue esto: Cuando las guitarras comenzaron a ser producidos en masa y ampliamente distribuida por correo en la década de 1890, se encontraron con pocos libros . Los más comunes fueron por un hombre llamado Septimus Winner, que casi siempre incluía versiones de «Sebastopol» y «Fandango español. Estas piezas bastante simple, entonces habría sido el punto de partida para miles de musicos rurales de todo el cambio de siglo.
«La mayoría de las autoridades parecen estar de acuerdo sobre los distintos aspectos de la música afro-americana que contribuyeron a la conformación de lo que reconocemos como el blues – las llamadas de campo y canciones de trabajo, etc – música predominantemente lineal se caracteriza por lo que se conoce como el» escala de blues. » Lo que nunca ha sido explicado satisfactoriamente es el origen de la forma básica armónica que distingue a los blues de estos otros tipos.
«Si se puede imaginar a un lado el campo de sentarse después del trabajo y tratar de encajar una Arhoolie [canción campo] a través de los acordes básicos del ‘Fandango español,» entonces sería cerca del momento de transformación, en mi opinión. A principios de grabaciones de blues – es decir, Charlie Patton y su escuela – el lenguaje armónico (que llegan a las formas específicas de acordes de blues, pero con la modificación general de un único dedo) es directamente de la música de salón. Lo mismo es cierto para los blues a principios de abrir D en comparación con «Sebastopol». Es algo fascinante y controvertido de manera justa, pero que se llena el vacío que falta entre la guitarra con cuerdas de acero que llegan a la circulación y los estilos altamente desarrollados que aparecieron en las grabaciones en la década de 1920. «Las primeras guitarras americana diseñada para cuerdas de acero de primeros de siglo. En su catálogo de 1902, la compañía Gibson dijo que sus guitarras podrían ser usadas con cuerdas de acero o el intestino.
Un buen ejemplo de una grabación temprana de «Fandango español» es John Dilleshaw y la cadena de Marvel 1929 versión (escuchar aquí: http://www.archive.org/details/JohnDilleshawTheStringMarvel-spanishFandango ). Dilleshaw, un 6’7 «gigante de un hombre, había aprendido la canción mientras crecía en los montes zonas rurales del norte de Georgia. En la grabación, un guitarrista fingerpicks lleva en G abierto, mientras que el acompañamiento flatpicks otras necesidades básicas. Los músicos han cambiado Worrall sedar 8.6 a un mayor balanceo 4.2 y añadió alternando bajo y curvas de blues, pero bajo el coro final de «zumbido recuerda la sensación de piezas antiguas salón de guitarra. Otra primera versión fue lanzada por Bo Carter, el guitarrista principal, con los jeques Mississippi y la influencia sobre muchos guitarristas Delta. Carter basa su canción «Fool País» sobre la progresión de «Fandango español» acorde, pero alteró la afinación abierta-G, manteniendo su alto cuerda afinada a E. Esto le permitió recoger distintivos patrones agudos, manteniendo un bajo profundo y poderoso. Una versión banjo grabado recientemente, interpretado y explicado por Patrick Costello, se puede escuchar aquí: http://www.archive.org/details/TheDailyFrail2310 .
De Stefan Grossman, quien ha dedicado su carrera a jugar y la promoción de blues de preguerra país, la existencia de la música de salón Worrall los retos de larga data de las nociones de desarrollo de blues: «Ese boom-chick, boom-chick graves de la música de salón apareció en miles de partituras a partir de la década de 1850 hacia arriba hasta el final del siglo. Fue enseñado por los profesores de guitarra blanca de clase media a la clase media blanca las mujeres. ¿Cómo fue ese cambio más en el ambito negro? Nadie está seguro. Pero le quita esa mística que queremos poner en la música negro, que es completamente de origen negro. Música negra de iglesia fue, obviamente, muy influenciada por la música blanca, pero se aceleró. Baladas niño de Inglaterra se presentaron en el repertorio de Blind Lemon Jefferson y Leadbelly. Probablemente hubo más implicacion de la música de las culturas ‘que nos damos cuenta. Sin embargo, los negros tocan e interpretan mucho mejor. Cuando se piensa en la fingerpickers en la década de 1920, tienes que Frank Hutchinson y McGee a Sam en el campo blanco, y eso es todo. Entre los negros, que hay un aluvión interminable de fingerpickers grande «.
Muchos primeros blues y los músicos país emplean estas afinaciones y casi siempre utiliza las palabras «español» y «Vastopol» para describirlos. A día de hoy, abra D y G abierto siguen siendo las afinaciones abiertas más popular. «Estos son dos de ajuste de la puerta de partida para la mayoría de los guitarristas», Ry Cooder, explica. «Ellos cubren la mayor parte del territorio. Usted puede hacer casi cualquier cosa que desee. Uno tiene el timbre y el color, por supuesto, y el otro tiene los puntos vibrantes completamente diferente, más estrictas cadenas. La D es el blues. El G es melódica, y es todas las tríadas. La D indica el mundo de los modales, por ejemplo, Blind Willie Johnson – es su sintonía. La melodía es en las cadenas de la parte superior, por lo que es muy práctico. Y el G es casi tuning hillbilly. Es tuning banjo. Si se mira de esa manera, entonces, evidentemente, es un mundo diferente. Empecé en la afinación G antes de que supiera D. Probablemente la mejor canción para empezar es de plomo del vientre de «CC Rider» – lo que jugó plana [estilo de vuelta]. Eligió un acorde hermosa en el noveno traste para iniciar la canción. Es perfecto. No se movió alrededor. Tocó la cuerda y utilizar las notas que había en esa posición. Todo está bien allí. Pero, hombre, para iniciar la canción en ese acorde! Se le salto el tocadiscos¡¡. Es como mirar por encima del borde de un precipicio. Y entonces ¿a dónde vamos ahora? La tónica. Whoo! Solía tener la piel del gallina al escuchar eso. Yo solía pensar: ‘Vaya donde es peligroso y decir que sí! » como los yoguis les gusta decir. Y una vez que me di cuenta de cómo poner el G banjo en la guitarra, de repente, estaban todos los acordes de John Lee Hooker, aunque no juega de diapositivas. Hubo de todo. Wow. »
Mucho antes de que John Lee Hooker surgido en el expediente a finales de 1940, otros bluesmen del Mississippi criados en favor de G abierto, en particular, Charley Patton, Son House y Willie Brown, así como de sus seguidores inmediatos de Robert Johnson y Muddy Waters. Johnson, por ejemplo, utiliza S Panish en sus 1.936 grabaciones de «Walkin ‘Blues» y «Blues Cross Road.» Cinco años más tarde, Muddy Waters afino´ en G abierto en su primer disco, «Country Blues», grabado en una choza país por Alan Lomax para la Biblioteca del Congreso. Entrevistado en el registro inmediatamente después de haber terminado la toma, aguas con calma cómo se describe la canción había «venido de los campos de algodón y el niño lo que poner las cosas fuera – Robert Johnson. Se llevó a cabo «Walkin ‘Blues’. Pero yo sabía que tanto la melodía «Lo he oído en el expediente. Lo aprendí de Son House. «Muddy añadió que recogió su estilo cuello de botella de Son House, y se describen las tres afinaciones que jugó en el» natural «,» E recto «(una variación de Vastopol) y» español «. (En la foto a la derecha, Muddy se ve en Clarksdale circa 1942, sosteniendo un borrador apremiantes de sus primeros 78.)
En la década de 1950, otro de raza Delta, con sede en Chicago guitarrista de blues, Elmore James, que se utiliza una guitarra eléctrica abierta-D-ajustado para poner en marcha «Dust My Broom», con lo que seguramente es el riff de slide más imitado en todo el blues. Durante la década de 1960, «redescubierto» o recientemente descubiertos de los viejos tiempos artistas como Mississippi John Hurt, Sam McGee, Lipscomb Mance, y Cotten Isabel grabó versiones acústicas de canciones Worrall. Poco Jesse Ed Davis, Johnny Winter, Duane Allman, y otros llevaban abiertos G y D abierto en el estilo rock & roll, y estas afinaciones todavía prosperan hoy en día. Y aunque no lo sepan o no, cualquiera que utilice el m debe por lo menos un movimiento de cabeza que pasa de agradecimiento a Henry Worrall.
Pero ¿qué pasó con viejos Worrall señor? Estoy encantado de anunciar que llevaba una vida increíble. En 1869 se trasladó a Topeka, Kansas, para mejorar su salud. Durante décadas ha dado conciertos de guitarra y conferencias y tocaba el órgano en la iglesia. Se convirtió en un célebre pintor y dibujante, su obra de arte que aparecen en importantes libros sobre la historia de Occidente y las revistas populares a nivel nacional semanal de Harper y el Diario Ilustrado de Frank Leslie. Su pintura al óleo famoso «Drouthy Kansas» convencido a la gente en todo el país que la gran sequía de 1860 en Kansas fue de hecho una cosa del pasado.
Worrall talla la madera – incluyendo el sello del estado de Kansas – y Invento varios instrumentos de viento. Cultiva la uva y mantiene un gran viñedo. Él era bien conocido por sus travesuras, y en la vejez gozaba de acompañamiento alumnos varones, ya que cantó con las chicas en los colegios locales. Este hombre encantador murió en 1902. Hoy en día, la Sociedad Histórica del Estado de Kansas hace una impresionante colección de materiales originales Worrall Henry disposición de los investigadores. ¿Me estás escuchando, Ken Burns?
Recogemos algunas entrevistas e impresiones del nuevo discazo que nos entregan los DelTonos ( 25 años en la carretera)………gracias siempre Hendrik.¡¡¡¡( esperamos no menos de 20 discos mas…).
El PASADO lunes 12 de diciembre, la formación cántabra puso a la venta La Caja De Los Truenos, un trabajo que se publicará en formato digital, en CD y en vinilo de 12 pulgadas.
Los Deltonos: Y punto.
Descubrir el genial disco Tres Hombres Enfermos a los 17 años es algo por lo que se ha de dar las gracias. Gracias, Daniel y Óscar. En pleno zambullimiento en el rock and roll el oído aún no está del todo educado y te afanas en buscar sobre todo decibelios para llamar la atención, pero aún a esas alturas, tras escuchar por primera vez a Los DelTonos sabes que ha llegado a tus manos/oídos algo jodidamente bueno. No les perderemos de vista.
Han pasado algunos años y por fin llega la oportunidad de verles en directo. Una asignatura pendiente que he tardado demasiado tiempo en convalidar pero como se dice, ‘nunca es tarde…’ El lugar: Sala Caracol (siiii… yaaaa… es que vivo al lado, joder!). El motivo: la presentación de su nuevo trabajo ‘La Caja de los Truenos’, ya a la venta en la web oficial de la banda. La hora: la de siempre. La cerveza: fría. Hoy toca blues-rock del bueno, y por si no lo sabías los tres miembros Dixie Town tratan meterte en situación con un buen repertorio de blues añejo. Los de Vigo sonaron bien, y con la Thunderbird sonaron mucho mejor. Cosas de las cuerdas.
Poco después de las diez y media, desde Muriedas (Cantabria): Los DelTonos. Pase lo que pase la constante de la ecuación sigue siendo él, Hendrik Roever. Camisa de cuadros y muy lejos de parecer una estrella. Los Tres Hombres Enfermos ahora son cuatro y desde el primer momento suenan redondos, compactos, puros… Se podría intentar poner una etiqueta a esta banda, pero es difícil acertar con una sola. Rock? Blues? Rhythm & Blues? Bluegrass? Country? Pues de todo un poco, para que no te aburras. O quizás esa puede ser la esencia de Los DelTonos, la naturalidad de su música, de una banda que toca lo que apetece tocar según el momento.
Cada canción suena distinta a la anterior, pero con mucho criterio. Los cuatro instrumentos se ajustan como nos mola, ninguno destaca. La sección rítmica es simplemente perfecta y los solos y la voz de Hendrik no suenan por encima, sino integrados perfectamente en la canción. A la tercera va la vencida y ‘El Espíritu de la Montaña’ nos confirma que La Caja de los Truenos no es uno de esos experimentos con sonidos raros y cambios radicales de estilo. DelTonos siguen siendo ellos.
Esta primera parte del concierto nos transporta directamente a las carreteras americanas de largas rectas, más conduciendo un pedazo de camión que cabalgando a pelo una HD. Parando a engrasar con bourbon nuestras penas contra una barra de bar. Pasamos de un estado a otro según la canción. A Hendrik le falta intercambiar la empuñadura de la guitarra y alternar tocar indistintamente como zurdo y como diestro, porque cada solo es una exhibición, se atreve con el acero sagrado (pedal steel guitar), se gusta con el slide, y todo ello acompañando con su pedazo de voz.
Me llama la atención que el volumen sea cada vez más suave. Ni bajo, ni flojo. Suave. Uno se fija en cómo batería y bajo acarician a la canciones. Las abrazan. No sé si he escuchado alguna vez una sección rítmica así. La segunda guitarra se solapa con la principal a la perfección. Se destapa ‘La Caja de los Truenos’ y se cambia un poquito hacia temas más rockeros. Suenan piezas de todo el repertorio, y los DelTonos tienen repertorio, creéme. Pero a la hora de escuchar a los cántabros, guárdate un par de neuronas para prestar atención a las letras. Poesía de tugurio, de ‘lugar correcto pero hora equivocada’. Me quedo con una frase cuando me centro en la lírica: ‘todas las mujeres sois iguales, pero tú pareces la peor’. Siempre aparece este desamor en las composiciones de Roever, casando perfectamente con la música.
Cuesta entender de nuevo como una banda así no ha llegado más lejos (lo mismo no han querido, oye). Nivel musical altísimo sin caer en el virtuosismo porque sí y letras cercanas en español. Pero estamos acostumbrados a preguntarnos este tipo de cosas, no?
Suena la genial Horizonte Eléctrico, versión española de Sweet Louisiana Sound de Billy Pilgrim, y creo que luego se despiden con ‘Todavía no sabes mi nombre’. Clasicazo. He escrito ‘creo’ porque si te digo la verdad perdí la cuenta de las veces que se despidieron: Somos los DelTonos, gracias por venir y si queréis otra, pedidla. La pedimos.
Andrés Muñiz vuelve a subir al escenario (ya estuvo al principio del concierto) tras la guitarra acústica de Hendrik (faltaba esa variedad de guitarra, tú!) y sosegamos de nuevo para volver a bailar después. Improvisación a la guitarra. Escucha. Y pedimos otra y otra (canción) porque nos da la sensación de que estos señores podrían estar tres horas tocando sin despeinarse. Pero no. Ya va siendo hora. Insisto en que se me mezclan los temas, pero me quedo con ‘No, Señor’ de nuevo del primer disco para terminar. Somos Los Deltonos: Feliz Navidad.
P.S.: hasta 3 bises hicieron. Si no me equivoco, el repertorio fue:
1. Repartiendo (Buenos Tiempos)
2. Como Decía Yo (Sólido)
3. El Espíritu de la Montaña (La Caja de los Truenos)
4. Yo Puedo Sacarte de Aquí (Si Quieres) (Buenos Tiempos)
5. Revolución (Buenos Tiempos)
6. A Qué Vino Volver (La Caja de los Truenos)
7. Discotheque Breakdown (Buenos Tiempos)
8. La Caja de los Truenos (La Caja de los Truenos)
9. Brindemos (GT)
10. 30 días (Buenos Tiempos)
11. El Sector de los Milagros (La Caja de los Truenos)
12. Nadie Me Conoce (Bien, Mejor)
13. Elvis (GT)
14. No Por Nada (La Caja de los Truenos)
PRIMEROS BISES
15. Lo Que Parece (La Caja de los Truenos)
16. Horizonte Eléctrico (Sólido)
17. Todavía No Sabes Mi Nombre (Tres Hombres Enfermos), haciendo un medley con el Treat Her Right de Roy Head
SEGUNDOS BISES
18. Arrested For Driving While Blind (ZZ’s TOP).
19. No Señor (Tres Hombres Enfermos)
20. Escucha (Bien, Mejor)
TERCEROS BISES
N.P.I.
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lunes 19 de diciembre de 2011
Los Deltonos 16/12/2011 Bar La Alquitara – Béjar
Mira que hemos ido veces al Festival de Blues de Béjar, pero en ninguna ocasión terció ir a la casa madre de dicho evento, que no es otra que el Bar La Alquitara. Y qué mejor excusa para desquitarse que yendo a ver una de las grandes bandas nacionales, Los Deltonos, a los que hacía un montón de años que no veía en directo. Y mereció la pena el viaje y las aventuras posteriores que acontecieron.
La banda cántabra liderada por el incombustible Hendrik Röver presentaba su nuevo trabajo «La caja de los truenos», gestado a lo Juan Palomo en sus propios estudios de Muriedas. Acudía al concierto sin haber oído ni una sola nota del disco, aunque contaba con el acertado asesoramiento del Rey del Mondongo, sabio donde los haya en estas lides y que no paraba de repetir que sonaba muy, pero que muy bien.
Y ya recogidos al calor de La Alquitara, tomamos posición en primera línea de combate para no perdernos ni un segundo de un gran concierto, donde fuimos transportados sin ningún esfuerzo hacia el oeste, unas veces a lomos de caballo y otras sobre los ejes de un trailer de gran tonelaje.
Personalmente, reconozco las canciones del anterior trabajo de la banda «Buenos Tiempos». Se corean las aventuras de Andrés Muñiz en Repartiendo (que por cierto tienen continuación en el nuevo trabajo) o el himno que aparece en la genial Discotheque Breakdown, acompañadas de otras más íntimas como Yo puedo sacarte de aquí (si quieres).
Es ya conocida de sobra la habilidad de Hendrik con la guitarra, que acompañada de su particular voz le hacen inconfundible para nuestros oídos. Compañeros de lujo le secundan: Fernando Macaya a la guitarra (y no es manco tampoco), Pablo Z al bajo totalmente entregado e Iñaki García a la batería. Tienen la habilidad de combinar sonidos íntimos cuasi armónicos, perfectos para escuchar al calor de la chimenea, con ritmos endiablados y turbadores como si un potro desbocado te llevara directo al infierno.
Al finalizar el evento, nos hicimos con el nuevo disco y una camiseta conmemorativa, no sin antes hacernos una instantánea de recuerdo con Hendrik, muy amable y cercano en todo momento. Y de vuelta a casa un par de incidentes marcaron una noche donde la luna podría haber participado como protagonista en cualquier película de terror……….
Mientras escuchábamos en el coche La caja de los truenos, un zorro se nos cruzó en la carretera y a punto estuvo de pasar el umbral de la muerte, lo que sí está claro es que vio la luz al final del túnel. Y para finalizar y a escasos metros de nuestra morada, las Fuerzas de Seguridad del Estado nos dieron el alto y nos registraron de arriba abajo, perros incluídos. Pero como somos unos chicos muy legales (je, je, je) todo estuvo en orden y nos pudimos ir a casita a descansar repitiendo en nuestra cabeza un estribillo Deltoniano que describe a la perfección nuestra manera de pensar:
«Dame un porche mirando al mar,
una guitarra y una canción,
una cerveza y rock and roll
y no me veis el pelo más por aquí.»
Y para que quede buena cuenta de nuestro viaje, os dejo un video cortesía del Señor DGM con tres temas de la velada.
LA HISTORIA DEL BLUES Y DEL BOLERO EN MÈXICO, ES PARECIDA A LA HISTORIA DE DOS HERMANOS QUE TENIENDO LOS MISMOS ANTEPASADOS Y LA MISMA CASA ,AL FINAL SON TAN DIFERENTES, UNO ES EXITOSO, RECONOCIDO, CON FAMA Y FORTUNA, MIENTRAS QUE EL OTRO ESTA LLENO DE SIN/SABORES Y FRACASOS.
LA HISTORIA DEL BLUES EN MÈXICO , QUE YA CIERRA SUS PRIMEROS 50 AÑOS, BIEN PUEDE REDUCIRSE A 10 NOMBRES , QUE SON HONROSAS EXCEPCIONES ,EN ESTA TRISTE HISTORIA Y A PARTIR DE LOS CUÀLES SE PODRÌA ESCRIBIR UN LIBRO;
TITULO; «EL BLUES EN MÈXICO; 50 AÑOS DE HISTORIA».
INTRODUCCIÒN;
EL BLUES; breve historia, texas, chicago, londres, figuras internacionales etc;
LOS AÑOS SESENTAS EN MÈXICO; LOS OVNIS Y JAVIER BATIZ;
LOS AÑOS SETENTAS; HANGAR AMBULANTE (avàndaro y los hoyos funkies).
LOS 80S; FOLLAJE Y GUILLERMO BRISEÑO.
LOS 90S los años dorados; BETSY PECANINS, REAL DE CATORCE Y EL AGUASBLUES.
EL NUEVO MILENIO; EL LIBRO DE JORGE GARCÌA «El camino triste de una música. El blues en México y otros textos de blues». Y LA GIRA OMNIFASTOURBLUES DE OMNIBLUES.
EPÌLOGO Y FIN.
LA HISTORIA DEL BOLERO EN MÈXICO ES DIFERENTE , PARA EMPEZAR, VEAMOS LA LISTA DE LOS INTÈRPRETES Y COMPOSITORES MÀS DESTACADOS;
INTÈRPRETES Y COMPOSITORES DE BOLERO EN MÈXICO;
Pedro Infante , Javier Solís , Agustín Lara , María Grever , Consuelo Velázquez , Ignacio Fernández Esperón , Pepe Guizar , Los Panchos , Alfonzo Ortíz Tirado, Juan Arvizu, Luis Arcaraz , Pedro Vargas , Jorge Negrete , Ana María González , Toña la Negra , Graciela Olmos, Genaro Salinas , Nicolás Urcelay , José Mojica , María Luisa Landín , Roberto Cantoral, Los Hermanos Martínez Gil, Los Tecolines, Los Soberanos, Los Tres Diamantes, Los Santos, Los Tres Caballeros, Los Dandys , Los Tres Reyes, Rodrigo de la Cadena , Los Ases de Juan Neri, José José ,Marco Antonio Muñiz , Sonia López, Armando Manzanero , Eugenia León , Fernando Fernández , Luis Miguel . En agrupaciones de estilo tropical encontramos a la Sonora Santanera como la Sonora Siguaray .
ESTOS SON LOS MÀS DESTACADOS, PERO HAY MUCHOS MAS.
LA PRODUCCIÒN DISCOGRÀFICA, PICTÒRICA, FESTIVALES, PROGRAMAS DE RADIO, GIRAS Y LITERATURA DEL BOLERO EN MÈXICO ES RICA, BASTA Y SUFICIENTE.
MIENTRAS QUE EN 50 AÑOS DE BLUES EN MÈXICO HAY UN SÒLO LIBRO DEL TEMA, EL DE JORGE GARCÌA;DEL BOLERO HAY CIENTOS DE LIBROS, ALREDEDOR DE CADA UNA DE SUS FIGURAS, UNO MUY RECOMENDABLE POR CIERTO ES, EL DE EL MAESTRO CARLOS MONSIVÀIS;
En “Pedro Infante:Las Leyes del querer”, Monsiváis hace una extraordinaria comparación entre las películas de Pedro Infante, el México de los años 40 y el actual.
Pedro Infante, ( Mazatlan , Sinaloa , 18 de noviembre de 1917 — Mérida , Yucatán , 15 de abril de 1957 ) fue un actor y cantante mexicano de la Época de Oro del Cine Mexicano , así como uno de los grandes representantes del bolero , de la música ranchera y de mariachi.A partir de 1939 apareció en más de 60 películas , y desde 1943 grabó aproximadamente 310 canciones . Por su actuación en la película Tizoc (1956), fue acreedor al Oso de Plata del Festival Internacional de Cine de Berlín al mejor actor principal, y al premio Globo de Oro a la mejor película extranjera, otorgado por la prensa extranjera acreditada en Hollywood.
JAVIER SOLIS;CONSIDERADO POR MUCHOS CON UNA VOZ SUPERIOR A LA DE PEDRO INFANTE, PERO SIN SU GRACIA Y CARISMA;A principios de 1955, es contratado para cantar en el «Bar Azteca», donde permanece por espacio de 4 años. Es aquí donde, a sugerencia de su amigo Manuel Garay, cambia su seudónimo a Javier Solís con el cual lograría la fama artística. A mitad de ese mismo año, lo escucha cantar en el local Julito Rodríguez, en ese entonces, guitarrista y primera voz del Trío Los Panchos , Julito Rodríguez es quien lo recomienda para una audición con Felipe Valdés Leal, quien era director artístico de Discos Columbia de México (hoy SonyBMG Music). Gabriel Siria, ahora convertido en Javier Solís, resultó aprobado en la audición y se le hizo un contrato para grabar su primer sencillo a fines de 1955. Dicho disco sencillo contenía los temas «Que te importa» y «Por qué negar». El sencillo obtiene éxito en el interior de México y, gracias a ello, es contratado formalmente el 15 de enero de 1956.
EL BOLERO EN MÈXICO DA PARA ESCRIBIR, NO LIBROS, ENCICLOPEDIAS.
ES DE LLAMAR LA ATENCIÒN LO SIGUIENTE;
QUE EL BLUES cuyo significado es melancolía o tristeza) Y que Se acepta que el primer bolero fue Tristezas, escrito por el cubano José Pepe Sánchez en Santiago de Cuba en 1886.
LA RAÌZ AFRICANA QUE COMPARTEN EL BLUES Y EL BOLERO. LA GUITARRA COMO PIEZA CLAVE EN EL BLUES Y EN EL BOLERO. EL ORIGEN DE LAS FIGURAS COMO BB KING Y PEDRO INFANTE O CUCO SÀNCHES; DEL PUEBLO, CAMPIRANAS, CON GRAN ARRAIGO POPULAR.
EL TRABAJO DE BETSY PECANINS CON EL BLUES Y EL BOLERO.
LA CANCIÒN «EL REVOLUCIONARIO» DEL MAESTRO CUCO SÀNCHEZ INTERPRETADA POR OMNIBLUES , HACIENDO UNA FUSIÒN DEL BLUES CON EL el bolero ranchero (mezcla de bolero,ranchero, corrido y mariachi mexicano), CANCIÒN QUE HA GOZADO DE BUENA ACEPTACIÒN EN EL EXTRANJERO (primer lugar de visitas en la secciòn de videos de «bluespain» la revista de blues por internet mas famosa de españa).
MIENTRAS SE HABLA DE UNA DECADENCIA DEL BOLERO POR LA BALADA POP Y UN POSTERIOR RESURGIMIENTO DEL MISMO, CON FIGURAS COMO LUIS MIGUEL.
EL BLUES EN MÈXICO NO HA DECAIDO NI RESURGIDO, NO HA TENIDO OPORTUNIDAD, PUÈS MÀS BIÈN «NO HA ACABADO DE NACER» SIGUE EN UN PROCESO DE PARTO LARGO Y DOLOROSO, NO HA ENCONTRADO LAS PROSTAGLANDINAS ADECUADAS QUE ACELEREN, LAS CONTRACCIONES UTERINAS Y POR FIN EL BLUES VEA LA LUZ EN MÈXICO.
Estimados amigos, lo anterior , sòlo responde a un punto de vista particular , el miò, no tiene como objetivo ni convencer ni pretende tener la razòn.
Juan AvilaOmniblues
Publicado por omniblues en 08:50 0 comentarios
Etiquetas: blues en mèxico., bolero bossa nova., OMNIBLUES.
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